Fotos de ASM

Uno de los debates más interesantes de la semana en ASM.

#TPC & _RTS S_NT_ MÒNIC_

Vamos a presentar la #TPC en el Arts Santa Mònica.

Xavier Pladellorens, fotógrafo

Xavier Pladellorens. Del 67, BCN.

Formado como diseñador gráfico e industrial.

Los últimos 15 años como profesional de la fotografía.

Construyo mis producciones en estudio y me gano la vida en el entorno fotográfico editorial y publicitario.

Realmente no sé en que formato o contexto te dejarán construir la charla pero según lo comentado me parece, y desearía que así fuera, que el interlocutor más válido para el TPC es el joven en formación, el niño o el adolescente. Dilo como quieras. Son ellos los que aprovecharán al máximo (sin ser conscientes de ello) las experiencias y métodos que utiliza cada creador para destilar la esencia de la intuición.

Al resultado, que le llame cada uno como más le guste.

También me parece interesante de tu propuesta el conocer y compartir con otros creadores. Y lo segundo (he aquí tu criterio de selección), entiendo evidente lo que nos une. Lo interesante es la capacidad de trasmitir que seguro es única en cada uno de nos.  

Lo que nos atañe: TPC

Según tú visión de unir en mesa redonda a diferentes creadores para TRANSMITIR, me sigue atrayendo de manera pasmosa. Insisto. No el Proceso ni el Creativo. A mi, personalmente el Transmitir a tumba abierta a mentes abiertas y que lo reciban a su manera me parece interesante. 

Si por contra lo que pretende el interlocutor u oyente de la charla es una master class sobre el proceso creativo… a mi, no me interesa. Me atrae la Transmisión. Y me atrae por el hecho de ser varias las especialidades para  representar lo que todo bípedo hace desde que nace hasta el final de sus días. Canalizar, utilizar y transformar los impulsos eléctricos que generamos por defecto en un resultado final que, en principio, sólo nos satisface a nosotros. 

No me parece interesante explicar el que se ha conseguido. A mi entender, lo interesante de aunar varios creadores para explicar como llegan al resultado y claro está, sepan transmitirlo.

No todos nacemos sabiendo canalizar la energía que evocamos por defecto para que concluyan en… algo físico. Algunos sí que salen de fábrica con esta virtud, pero la mayoría aprende. 

Y es aquí donde veo una de las gracias de éste proyecto. Si con nuestras experiencias y resultados conseguimos explicar los sistemas unipersonales para retener y transformar en obra nuestros impulsos, será estupendo. Y si los que reciben esta info. son mentes inquietas ya será la bomba.  

Hacer entender que la intuición o el olfato se puede educar, es relativamente fácil.

Construir un método particular para llegar al resultado, también.

Lo curioso (en mi opinión) es transmitir que lo jodido de verdad es el camino. Ni la chispa ni nada vale si no hay el tesón y la fuerza para llevarlo hasta las últimas consecuencias. 

He aquí lo que me parece interesante del TPC. Transmitir el camino, el que sea. Por bueno, eficaz o genial que sea el ítem de arranque, lo realmente complicado es ejecutarlo y cerrar el círculo. 

Nada más.

Xavi

SOBRE LA ACCIÓN TRANSMISIÓN DEL PROCESO CREATIVO

Quizás el debate verdadero al que ya habría de dar respuesta definitiva es sobre si el arte es, o no, necesario.

Incluso olvidando el hecho de que el arte ha acompañado y acompañará a la humanidad siempre, es posible establecer lo necesario del arte únicamente basándonos en su razón última, esto es, que el arte no se refiere a una disciplina concreta, sino que es una manera de llevar a cabo cualquier disciplina. Es una actitud ante la vida.

Esta actitud, que irradia a todas las facetas del ser humano, nace donde nace lo que nos distingue de los demás seres de la Tierra. Poseemos, por tanto, una ventaja, pero también una responsabilidad.

Esa responsabilidad se puede resumir en dos ideas fundamentales. La primera es que el arte nunca es para un solo individuo, sino para todos, y la segunda es que ha de evolucionar en consonancia real con la evolución de la humanidad. Ha de ser, como dijo Rimbaud, “absolutamente moderno”.

Esa modernidad absoluta no se refiere únicamente a preceptos estéticos, ni a la búsqueda de nuevos canales expresivos, como cabría pensar si nos referimos únicamente a la parte del arte que denominamos artes, sino, y remitiéndonos a su real calidad de actitud ante la vida, ha de referirse a la obligación de actualizar plenamente su proceso y su función en una sociedad en continua evolución. Esto es lo mismo que decir que el arte, apoyándose en el pasado, ha de proponer una renovación tanto a nivel de superficie como a las condiciones profundas que ha de reunir el ser humano para generarlo.

A día de hoy, podemos decir sin dudar que somos más de lo que nunca hemos sido. Pese a algunas apariencias, que únicamente se deben a una “vista de pájaro” demasiado baja, el ser humano de hoy es la culminación y máxima evolución de todos los seres humanos que lo han precedido. Es su resumen, y la destilación de sus mejores cualidades. Por tanto, y quedando claro que su poder es mayor de lo que ha sido nunca, también lo es su responsabilidad.

Creo firmemente que el artista de hoy, haciéndose eco de esta realidad, ha de ser mejor ser humano de lo que han sido sus predecesores. Ha de ser más íntegro, ha de poseer mayor empatía y mayor profundidad de mirada. En suma, ha de trabajar consecuentemente por mejorar unas parcelas de su persona en las que tradicionalmente se han alojado, muy bien argumentadas, todas esas idiosincrasias más propias de un infante que de un ser adulto que obra con poder y conocimiento.

Uno de mis objetivos en la acción llamada Transmisión del Proceso Creativo es desterrar de forma definitiva el factor casual y caprichoso que siempre se ha atribuido a esa confluencia de aconteceres internos que hemos dado en llamar inspiración.

La inspiración, el momento inspirado, en realidad lo es todo. Es el momento de la verdad, del acierto pleno y ligero, de la perfección que se manifiesta a través nuestro hagamos lo que hagamos.

Si hasta ahora se le ha atribuido ese factor accidental ha sido porque no se ha acometido de manera definitiva el estudio de su naturaleza, de su mecánica, de lo que precisa para hacer su aparición.

Con mi intervención en el TPC, y basándome en mi intuición y experiencia, me propongo avanzar en este sentido, estableciendo para empezar lo que he detectado como los obstáculos que impiden el permanente fluir de la inspiración.

Porque ¿qué es la inspiración? La inspiración es conexión, es el momento en el que nos es posible contemplar un flujo de información profunda que transcurre continuamente en nuestro interior.

Ese flujo se da de continuo en el sueño y en la vigilia, y es el momento excepcional en que lo experimentamos sin obstáculos a lo que llamamos inspiración. El artista corre a consignar eso que ve en forma de obra. Todos los demás seres humanos lo aplican en su tarea o en su contemplación, experimentando un maravilloso sentimiento de plenitud y certeza.

Me propongo mostrar que ese momento excepcional es, en realidad, nuestro estado natural, el estado al que estamos llamados a llevar a cabo nuestra existencia.

En este sentido, el testimonio de un artista es muy valioso por la simple razón de que, para él, estar o no inspirado es un factor de una relevancia absoluta que se traduce en llevar a cabo con acierto, de una manera patente, su obra. El artista tiene mucho más presente que cualquier otro ser humano su dependencia de la inspiración, aunque, en realidad, sea ésta una dependencia común a todos.

He detectado que en ese proceso, o tránsito, que vive una idea hasta aflorar a la superficie aparecen una serie de obstáculos que la desvirtúan haciéndola incluso naufragar a medio camino.

Es precisamente en no haber hecho el suficiente caso a estos obstáculos donde radica el carácter caprichoso que siempre se ha atribuido a la inspiración, porque el libre fluir de la inspiración pasa ineludiblemente por llevar a cabo una labor interna de perfeccionamiento que elimine los factores erosionantes en el camino de la idea.

El artista hasta hoy, paradójicamente, ha entendido como necesarias sus idiosincrasias cuando, en realidad, son todo lo contrario. Ha concebido como parte de su carácter artístico manías que se concede a la ligera, cuando son estas manías precisamente las que siempre han puesto en peligro su trabajo y su función.

El gran arte posee en sí un mensaje subyacente que acaso es el que lo inmortaliza a través de las edades: el momento que ha vivido el que lo ha hecho es un momento que resulta en cierto modo familiar para todos los demás. Es un momento que reside en el interior de todos.

Con mi participación en TPC me propongo hacer honor a ese deslumbrante mensaje.

Jordi Díez, escultor diletante. Centelles, Barcelona.30/10/2012

PENSANDO EN MUSARAÑAS...

El texto que viene a continuación está escrito por Tania Hernández, la mujer de Quim Hereu. Ambos son la última incorporación al TPC. Visité, con Gerard Mas el escultor, el espacio en el que Quim ha pintado la primera parte de una colosal trilogía que está haciendo. Esa primera parte es un cuadro titulado "El estrambótico nacimiento de Venus o La Fábrica del Tiempo", una soberbia tela de 12x16 metros que define poderosamente el estrambotismo como incursión en la historia de la pintura. Situarse frente a la obra de Quim Hereu es experimentar en toda su magnitud el poder transformador que sólo puede provocar la potencia atemporal del arte en su máxima expresión.

Podéis verlo en www.stramprivata.com

PENSANDO EN MUSARAÑAS…

Tuve la fortuna de estudiar en una escuela de arte, tengo la fortuna de conocer a varios artistas y de vivir con uno de ellos. He tenido la fortuna de sentir la motivación que precede a la creación artística y por así decirlo he tenido aquel sentimiento espontáneo que te llega de golpe y te enciende la bombilla cerebral que algunos llaman inspiración.

Desafortunadamente carezco de todo lo demás para poder crear una obra de arte.

Un optimista Thomas Alva Edison decía que no había fracasado en su intento por  inventar la bombilla sino que había tenido éxito en saber 999 maneras de como no debía hacerla. Pues algo similar creo que me pasa a mi. Se, que una repentina encendida de bombilla sobre mi cabeza y esa necesidad de llevar a cabo una idea creativa no lo es todo, y se , por la fortuna que he tenido de convivir entre verdaderos artistas, las 999 maneras de como no encontrar la inspiración.

La naturaleza del artista es fascinantemente contradictoria, los artistas (en mi opinión y no quiero que se me malinterprete)  son egocéntricos, envidiosos, tercos, necios, eufóricos y obsesivos. Estas características en un ser humano que no se dedica a la creación artística serían el cuadro clínico de una patología psicológica. Pero en un artista y en dosis concentradas, son verdaderos dones.  Ya lo decía Stephen Hawking: la irregularidad , la imperfección y el caos fueron lo que le dieron origen al universo.

Sin el egocentrismo, el artista no defendería sus opiniones, creencias y decisiones con fervor, sin embargo un exceso de ego lo convertiría en egoísta y narcisista.

Sin la envidia, no reconocería el talento de otros artistas y no sentiría la necesidad  de emularlos y superarlos.

Sin la terquedad ni la necedad no justificaría el por qué de un proyecto que a la mayoría de la gente le parecería una locura.

Sin la euforia ni la obsesión no llegarían a encontrarse el tiempo, de inventarse días  para poder concretar sus obras.

Como en todo, el exceso lleva a la perdición y aquellos artistas que muestran fuera de su estudio estas singularidades de su personalidad son los que de una u otra manera terminan fracasando y llevando su obra a la mediocridad.

Por así decirlo, estas características son el lado obscuro de la creatividad, y los artistas no son blancos o negros son multicolor. Como decía Morticia Adams:“ la normalidad es relativa, lo que es normalidad en la araña a la mosca le representa un caos”.

Y para que el caos pueda dar paso a la creación, igual que en el universo, deben alinearse ciertos elementos. Estos son algunas hipótesis que tengo sobre como puede llegar a perderse la inspiración artística:

1. Eliminar el espacio de creación : A veces escucho que los artistas viven en otro mundo. ¡Pues es verdad!, ellos necesitan su propio espacio, un taller alejado de la cotidianidad de la vida mundana. Les es imposible, en el momento en que deciden ponerse a trabajar ,hacer cualquier otra cosa que para cualquier ser humano común pareciera necesario como  ir a sacar la basura o pagar los recibos al banco.
2. No tener las herramientas adecuadas : Si bien es cierto que un verdadero artista puede crear con lo que tenga a mano, el uso de materiales de calidad reducen el nivel  de frustración durante el proceso de la obra.
3. Eliminar las aficiones: Ser pintor, escultor , músico etc. a diferencia de lo que piensa la gente , es un trabajo, un oficio que requiere mucho tiempo . Para muchas personas que no se dedican al arte la necesidad de tener un hobbie o afición las distrae para regresar con más ánimo a sus labores cotidianas. Lo mismo pasa con los artistas, Quim siempre dice que es tan necesario saber pintar como dejar de hacerlo.
4. Perder la capacidad de asombro: Siempre hay algo de lo cual asombrarse en el mundo, esto genera por si sólo la capacidad de observación. Pienso que no se puede crear algo nuevo sin antes admirar con pasión lo ya existente.
5. Dejar de divertirte con lo que haces : Cuando tu trabajo se convierte en obligación mágicamente la inspiración se va... no se por que, pero es así.
6. Dejar pasar la motivación: Cuando se siente esa necesidad de trabajar no se puede perder tiempo valioso. Dicen que la motivación no dura ni el baño tampoco , es por eso que se recomienda  hacer ambas cosas a diario.
7. Rodearte de personas que no comprendan lo que haces: no hay nada más desmotivante para un artista que tener que convencer a su entorno el por qué hace lo que hace.
8. Olvidarte del objetivo: Si no tienes claro que quieres hacer , por más que lo intentes no lo lograrás. Los accidentes dentro del arte suceden. Dicen que el creador del post-it   buscaba inventar el pegamento más fuerte del mundo y terminó descubriendo el pegamento que se pega y despega. Su invención fue un accidente,  pero él tenía un objetivo claro y definido de a dónde quería llegar.

Me parece que lo que he citado son simplemente reglas básicas de convivencia entre el artista y su contexto, nada que no se sepa ya. Respecto a las musas, dudo que existan, no concibo a ningún  artista inspirándose con una mujer imaginaria hablándole todo el tiempo y atosigándolo en su necesaria soledad creativa.

Tania Hernández.

L'Estartit 2012

TRANSMISIÓN DEL PROCESO CREATIVO vs TRANSMISIÓN DEL PROCESO PASIVO

En el Kybalión, compendio de sabiduría hermética directamente referido a la Tabla Esmeraldina, atribuida a Hermes Trismegisto, se postula, entre otros principios, el de la Correspondencia: como es arriba, es abajo. Este principio abarca los tres planos fundamentales, el físico, el mental y el espiritual.

En este sentido recuerdo leer cosas de un Pope del monte Athos, un monje ortodoxo de un nivel espiritual inconcebible, el Archimandrita Sophrony, que consignaba el hecho, ampliamente constatado en su experiencia, de que muchos de los monjes con los que compartía monasterio habían iniciado su camino con una experiencia espontánea de unión con el Espíritu Santo. En todos los casos, a partir de cierto momento, ese contacto de cortaba, y sobrevenía sobre sus vidas un erial en el que se veían obligados a trabajar durante muchos años. Algunos de los monjes no lograban retomar ese contacto. Otros lo conseguían al final de sus vidas.

Consideremos este ejemplo como el de máxima elevación posible, puesto que en la humanidad primero van los místicos, que vislumbran y experimentan lo más elevado de manera casi continua. Después los artistas, que se elevan en ocasiones a alturas sorprendentes, gracias a la libertad del juego, con el fin de consignarlas en su obra, y después los científicos, que racionalizan esos hallazgos.

Seguro que todo artista se ha encontrado con el pensamiento, de forma oída y/o de forma vivida, de que las mejores ideas se tienen al comienzo. En una cultura como la nuestra, en la que la juventud representa un campo muy fértil de venta de todo tipo, de manera que se ha creado una especie de concepto bastardo paralelo en forma de que sólo lo joven es válido, parece como que el gran principio hermético se paraliza, y no desarrolla todo su itinerario, es decir, no alcanza su conclusión.

¿A qué conclusión me refiero? A que, en realidad, lo que sucede es que de jóvenes tenemos una conexión con la órbita del conocimiento libre de cargas e intencionalidades, y toda nuestra trayectoria de adultos se resume en hacernos merecedores de esa conexión, hasta lograr que sea consciente. Y justo de eso es de lo que tratamos en TPC.

Personalmente, cuando empecé esculpía grandes formatos de piedra sin demasiados problemas del tipo “no podré”. Obraba con una ligereza que me hacía dar con hallazgos que me han proporcionado no pocos tormentos a lo largo de toda mi carrera posterior.

Cuando la ligereza me abandonó, sustituida por el compromiso con mi carrera, entró a machete la duda, y hoy sé que todo el inmenso rodeo que he dado hasta hoy, lleno de extravíos, tropiezos y aislados momentos de lucidez, me ha llevado a postular cosas que tengo como mis más desarrolladas conclusiones y que en realidad son idénticas a las que en su día plasmaba sin plantearme nada en especial.

Estoy seguro de que todo el mundo ha vivido la experiencia de leer algo que ha escrito hace muchos años y que coincide sorprendentemente con lo que hoy tiene por el fruto más excelso de su experiencia. A esto me refiero. Sólo se diferencia en una cosa: la conciencia.

Este fenómeno nos lleva obligadamente a darnos cuenta de que, efectivamente,  las mejores ideas se tienen de joven, pero que si no se desarrollan hasta interiorizarlas y gobernarlas a voluntad, son ideas volátiles, como tantas, que quedan como propuestas impersonales que siguen estando a disposición, por supuesto, de todos, pero que sólo unos pocos convierten en pan bien hecho, humeante y nutritivo.

En conclusión, el TPC para mí parte de la constatación de este hecho y de la formulación consiguiente de qué pasos han de darse para que ese potencial primigenio, regalado, fructifique en una obra que cumpla con el requisito fundamental de toda gran obra.

¿Cuál es el requisito de toda gran obra? Su potencia de transmisión respecto a que el fuego y la alta visión que la hizo posible reside también en el que la ve, de forma que el que la ve puede elevar su conciencia al nivel máximo de la humanidad.

Naturalmente hay un factor sine qua non puede hacerse uno receptor de semejante legado, y es el compromiso. O dicho de otra forma, vencer resueltamente la pasividad, puesto que un espectador como tal, en realidad no existe. Existe el que frente a una candente proposición de acción es vencido por su pasividad, y existe el que es espectador el tiempo justo para asimilar lo que tiene frente a sí, y al segundo siguiente embarcarse con resolución en un camino que ponga en acción su propia potencia creativa.

Nosotros ¿venceremos nuestra pasividad?

Jordi Díez, escultor diletante. 

¿ Los mecanismos de creación trascienden ?

"Los mecanismos de creación son prácticamente idénticos entre los diferentes artistas y son aplicables a cualquier tarea humana."

Asi empieza el Bloc y así lo leo casi a diario..

Cada anochecer, relajado, respiro profundamente a la vez que inclino como si fuera un lento moviento de taichí, mi cabeza al brillante cielo de verano: y siempre estan allí, esas antiguas estrellas, velando la noche.

Por que son tan increibles ? 

Hace miles años, miles de siglos que sus diamantes nos explican secretas pócimas en voz baja.

Deseamos reproducir esa magia, o disponer de ella a nuestro antojo ?

Si dispongo a diario de ese cielo, por qué debo reproducirlo ?

Qué diferencia existe entre una Obra de arte y lo que recibimos al observar cada día el Cielo?

Será el tiempo ? La disposición ?, nos gusta controlar, nos gusta adquirir y administrar nuestras sensaciones. "Hoy me voy de compras, por qué eso me hace sentir bien".

Me pregunto, donde está el verdadero placer: en ese proceso que continuamente mantiene un vivo recuerdo de las mágicas estrellas, el perfume..  o bien el aliento aliberador que nos produce saber que, por fin, hemos creado y estamos dentro de nuestro propio cielo ?

A) Podemos recrear el cielo, el mar.. como una fotografía y los demás ni se enteran, pero nosotros nos encontramos en paz.

B) Podemos construir nuestro particular universo.. Y los demás ni se enteran, pero nosotros nos encontramos en paz.

Cuando coincidimos con los demás ? 

¿ Por que ciertas Obras transcienden y no son recreaciones de cielos, sino nuevos cielos.

¿ Por que ? A veces, obras absurdas producen un enorme eco social y trascienden ?

¿ Por que, otras obras geniales, nunca trascienden ?

Cuando somos conscientes de la belleza de las estrellas (como todos los demás) y al mismo tiempo estamos totalmente liberados para reproducirlas es el "proceso creativo" un salir de los prismas externos, para entrar en nuestros prismas ? o nunca abandonamos ese ADN original ?

El proceso de creación es un método universal que luego moldeamos según nuestra liberación interior. Si no somos capaces de esa objetividad jamás entenderemos que las estrellas no son diamantes.

En una calurosa noche de verano, por el placer de escribir sobre el proceso creativo de Guillermo Oyágüez…vamos allá…

En una calurosa noche de verano, por el placer de escribir sobre el proceso creativo de Guillermo Oyágüez…vamos allá…

Estoy contigo, Jordi, texto emocionante y nada de tímida participación, por su tremenda sinceridad y, por tanto, valiente, a corazón abierto, como he leído de no sé que escritor. Texto limpio de discurso, que no carente de él, cuestión esencial para la trasmisión del proceso creativo o de la definición del concepto de creación, de su por qué y para qué. El discurso ha sido el gran mal del arte de la posmodernidad, porque básicamente, es lo que le ha sustentado, y la institución museística no se ha quedado atrás en sustentar lo insostenible, la investigadora mexicana Laura González hace esta interesante reflexión en esa dirección:

La consecuencia más radical de estas propuestas de artistificación de tipo conceptual y lingüístico es que socavan uno de los pilares deontológicos más importantes del Arte: el concepto de artista como productor del objeto artístico. Los surrealistas y dadaístas propondrán un nuevo concepto de obra en el que la artisticidad se muestra totalmente desvinculada tanto del proceso de realización de la obra como de su autor. Alguien, que no es el que hace la obra, puede artistificarla mediante la colocación intencional de ésta en un contexto artístico. Pero, si este hecho aún se relaciona con un proceso artístico tradicional, en tanto que la selección aún la hace por elección el mismo artista (Duchamp) u otro artista que no es el autor […] el hecho de que la elección se haga desde una institución (el museo, la galería) toma visos casi cínicos. Así, la herencia que deja la modernidad en la posmodernidad es la de una artisticidad con vínculos más fuertes con el contexto de distribución y difusión de la obra misma que con el interior o esencia de la obra. Mientras la imagen se perciba como artística a través de su colocación, distribución y difusión, la obra será artística.[1]>>( González, 2005, p. 233/234). González también dirá: Si por su fuerte asociación con los valores de realidad y verdad la modernidad había entendido la representación como un proceso epistemológico, el posestructuralismo la considerará un montaje. (González, 2005, p.254).

El cinismo del discurso y de las instituciones museísticas ha hecho, en gran parte, que mucha gente se haya apartado del arte, y no básicamente porque no lo entiendan, sino porque hay algo que no les funciona, rezuma falsedad. Y por eso es necesario trasmitir el proceso creativo, para acercar, a conciencia, el arte, la creación a la sociedad, como algo que les pertenece, como algo que le es propio al ser humano.

Tus palabras Guillermo recogen con sinceridad la expresión de un artista del siglo XXI, y paso a explicarme. El arte hoy, la creación, se ha despojado de toda metafísica, y dice Gombrich:

En nuestros libros de historia, la lucha contra esa doctrina académica es representada generalmente como una pugna por la liberación respecto a un clasicismo pasado de moda. Pero yo creo que nos perdemos mucho del drama real si dejamos de entender el trauma psicológico que se produjo cuando este apoyo metafísico dejó de sostener el respecto que el artista se tenía así mismo. El descubrimiento de que los ideales de belleza variaban según el tiempo y el lugar que todas las normas en el arte eran subjetivas y que la idea de un mundo inmutable de perfección había sido en el arte un sueño tal como lo fue la religión. El único valor que le quedó al artista  era la fidelidad así mismo.

Y ahí creo, Guillermo que se centra tu discurso y tu proceso creativo, por ello muestra y es la expresión de lo que supuso la conquista de los artistas de vanguardia, la ruptura con una forma de hacer arte. Iniciaron un capítulo impresionante en los modos de crear, pero ese momento revelador que recogieron los artistas posmodernos no lo supieron defender y continuar. Creo que, la pérdida de la metafísica, de un referente concreto pasó factura en un periodo en que se sucedieron dos guerras mundiales. El discurso se encargó de sustentar un arte que se encontraba bastante perdido en cuanto a referentes y que se dedicó a refreir lo hecho por los artistas de vanguardia.

El artista hoy está frente así, sin más. La búsqueda del objeto, la conquista de la subjetividad, del mundo del sujeto, los ismos, las etiquetas han sido etapas ya superadas. En el campo digital, en el que estoy actualmente con los alumnos de bellas artes, es la muestra de que un nuevo giro se está produciendo. Y nos es que las nuevas tecnologías vayan a revolucionar nada, los únicos autores de dicha revolución somos nosotros, el hombre, y la tecnología es consecuencia y muestra de ello. Lo digital permite de forma numérica y matemática, de la manera más objetiva, plasmar la realidad del objeto, pero también el mundo subjetivo del artista, la abstracción objetiva, el ensueño objetivo. Añadiendo que hay sensores digitales que son capaces de captar el gesto del artista. Por ello, ahora, la elección está puramente en el artista, de tal manera que, la denominación de figurativo o no figurativo, tal dicotomía se ha quedado obsoleta en el arte contemporáneo.

Creo, sinceramente, Guillermo, que podrías ser artista figurativo o no serlo, que podría ser otro proceder el que diera rienda suelta al hecho de pintar. Hay algunas cuestiones reveladoras que dices al respecto de tu proceder creativo o el porqué del mismo:

…ante la contemplación de ese acantilado y playa virgen, me imaginé como sería en los tiempos en lo que no existía la fotografía, y para alguien que no supiera pintar o dibujar, contemplar tanta belleza y no poder de alguna manera llevársela. Sólo en su recuerdo persistiría ese paisaje infinito, ponerme en esa situación me pareció de una tristeza preciosa, el recuerdo, una imagen guardada en el cerebro. Y al pensar sobre esto, creo que dí una respuesta a por qué cuando pinto, hago la primera mancha del natural o de foto (según el caso) y no vuelvo más a ni uno ni al otro en las sucesivas sesiones de trabajo, para que sea mi recuerdo quien termine el cuadro.

Creo que esta idea responde a uno de los porqués básicos y ancestrales de la necesidad del arte para el hombre y por el hombre. El hombre crea y vive el arte porque le es necesario. En este sentido, que sea figurativo o no, no creo que sea lo trascendental para ti ni para el artista contemporáneo. El oficio te permite abandonarte, y sumergirte de lleno en el propio proceso de hacer, de la creación, no representas, creas tu propia realidad de la experiencia vivida, y eso fue el gran logro de los artistas de las vanguardias y que comenzaron ya los impresionistas. A ellos, aún pegados al objeto como Picasso, no les interesaba la fotografía en cuanto a representación del motivo, dejó de interesarles antes de que apareciera la fotografía, porque la lucha contra el esquema de la academia y la institución ya se había iniciado antes. El hombre conquistaba su territorio, su mundo subjetivo.

A ti tampoco te interesa la fotografía más que como instrumento para…, no está la cuestión en representar la realidad como el hecho de crear tu realidad de la experiencia vivida. Cuando digo que es la expresión de la primigenia necesidad del arte me refiero a que lo que ha llevado a gran parte de los hombres que se han dedicado al arte a la creación es a la necesidad de volver a vivir la experiencia vivida. Creo que no te sirve solo con contemplar o disfrutar de un paisaje, de un escote…jeje, sino que tienes que pintarlo para vivirlo doblemente, de ahí que apartes la fotografía una vez que te sirvió como instrumento, esto es lo que hacían los artistas de vanguardias. El arte es la vía de escape para vivir lo que no se ha vivido o se desearía vivir, para vivirlo doblemente o porque la experiencia vivida no es suficiente, se necesita más. Por eso sabía que en tus palabras iba a salir el tema de la mujer, es un hecho consustancial al porqué y al para qué del crear para ti. Lo cual es una cuestión que ya se ha encontrado en la historia del arte, Picasso es una buena muestra de ello, jeje.

Y estas palabras sobre la necesidad del arte y la creación, me recuerdan y me hacen pensar en porqué cogí yo los pinceles, era una energía que me desbordaba en plena adolescencia y pintar era la vía para volcar esa energía, para vaciar…

Vuelvo a repetir que cuando uno explica el porqué de su trabajo creativo desde la honestidad, muestra el reflejo de una época, modos de pensar y de entender el mundo. Explicar y exponer qué es para ti la creación en plena actividad artística, es una muestra y un reflejo de qué es hoy el arte contemporáneo, de dónde está, explicación válida cuando el trabajo y el proceder es honesto. Crear teorías es crear realidades, cuando una conceptualiza crea realidades, define mundos posibles (por eso me gusta a mí tanto la investigación y me sirve para soltar energía). Posicionarse frente a la creación es definir modelos de pensamiento y conocimiento.

Cuando Newton dijo que el color es luz estaba describiendo un nuevo universo absolutamente revolucionario, que trascendía la propia física y la propia ciencia. Fue la base del proceso creativo de los impresionistas, de su porqué. Al igual que Picasso con su frase “no busco, encuentro” no estaba diciendo nada baladí ni ligero, estaba mostrando un giro en el hecho creativo y en los modelos de conocimiento, era la continuidad de lo que iniciaron los impresionistas.

Los ismos y las etiquetas hoy ya no son necesarios. Lo que sí es necesario en esta edad adulta que ha alcanzado la humanidad, en palabras de Arzuaga, es el arte, la creatividad y la creación, el artista frente a sí mismo, fiel así mismo. La necesidad del arte, de la creación y que sea trasmitido a la sociedad es hoy más necesario que nunca. Todas las creencias, rituales, mitologías, etc. que fundamentaron la explicación del hombre en la tierra, su procedencia y su porqué han dejado de ser válidas o prescindibles, y el arte tiene mucho que decir en eso. Como dice Arsuaga, una vez más, el estudio de la evolución del hombre, nos ha llevado a saber de dónde venimos y porqué hemos llegado hasta aquí, pero la necesidad de mundos simbólicos, de la creatividad, sigue siendo trascendental, de ahí la necesidad del arte.

Ayer en la exposición de Hopper, lo realmente revelador para mí fue la gran cantidad de luz que desprendían los cuadros, la fuerza, la energía, siendo el motivo una cuestión secundaria. El gran logro del artista es que desarrolle la capacidad de trasmitir eso desde sí mismo al objeto artístico en una trasferencia directa, sin solución de continuidad. Y esa experiencia es necesaria tanto para el artista como para los que vamos a contemplarla, vivir doblemente, la necesidad del arte.

No es explicar tu arte, es explicar el porqué de la creación o de la necesidad de la misma y eso necesita ser dicho, para la dignidad del creador, del artista en esta sociedad tan mercantil y materialista, en primer lugar, y para la humanidad en general, en un canto al humanismo siempre necesario. Porque eso, es precisamente, lo que nos hizo superar al Neardental, y que los homo sapiens sapiens estemos donde estamos, lo que nos hizo humanos. Finalmente es posicionarse ante la vida, una actitud ante la misma, la de la creación, la de la sorpresa y curiosidad, la del poner el cariño y la honestidad en lo que se hace, la de la vida de conocimiento, y esa actitud siempre ha de ser defendida y expresada. Es esa idea que ya comenté que la creación es como un líquido que toma la forma del recipiente en que se vierte y para ti, podía tomar forma de restaurante con la misma dedicación y cariño que le pones a la pintura.

El artista de hoy no responde ni debe responder a un ismo o una moda sino a la honestidad, a la dignidad y a la sinceridad sin componendas del porqué de su hecho creativo, el artista frente así, el hombre frente así, aportando a la sociedad desde el lugar que crea necesario, en esa fidelidad así mismo. Y por ello, también estoy totalmente de acuerdo contigo cuando dices “Siempre me ha sorprendido los artistas que pegan un cambio radical en su obra, no tanto por esa transformación, sino por el tiempo que tarda en producirse, si ese tiempo es corto, su trabajo mentía antes o ahora”.

Con tus palabras, pienso, creo que muestras, básicamente, el ser y estar de un artista del siglo XXI, de cómo vives tu la creación.

Y creo que me he enrollado más de lo previsto, se me va la tecla. Espero que te haya servido y qué me haya aproximado a lo que has querido decir con tus palabras.

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[1] La negrita es mía.

Picasso y el proceso creativo

Vamos allá, y vamos a hacer caso a Jordi y a abrir más fuegos, a ver si lo conseguimos entre todos. En  proceso de lectura de “Conversaciones con Picasso” de Brassï, lectura de verano, que estoy disfrutando un montón y fundamental para la asignatura de vanguardias que imparto al año que viene. Dice Picasso sobre su proceso creativo: “No sé nada…las ideas son simples puntos de partida. Es raro que las pueda expresar tal y como me vienen a la mente. En cuanto me pongo a trabajar me surgen otras en la punta de la pluma. Para saber lo que se quiere dibujar, hay que empezar a hacerlo. Si surge un hombre, hago un hombre. Si surge una mujer, hago una mujer… Dice un refrán español: “Si tiene barba es un hombre; si no tiene barba es una mujer”. O, en otra versión: “Si con barba, San Antón; si no, la Purísima Concepción”. Es un refrán formidable, ¿verdad? Cuando estoy delante de una hoja en blanco me ronda a la cabeza todo el tiempo…Lo que surge, independientemente de mi voluntad, me interesa más que mis ideas” . Año 1943, Picasso tenía 62 años cuando escribió esto, es evidente que sí sabía, que no partía de la nada, pero Picasso era honesto en su reflexión, pues estaba dentro del discurso de las Vanguardias. Centrado en el propio hacer, en el propio placer de lo procesual (Javier Díez, artista plástico y mi director de tesis, ha hablado mucho sobre lo procesual en las Vanguardias). El propio placer de hacer y de experimentar el hecho creativo, centrado también en la materia. Unas líneas más adelante dice Brassaï de Picasso: “La seducción de la materia ha tenido siempre una importancia primordial en su creación”. Creo que todos los que nos hayamos enfrentado en algún momento a la creación artística hemos experimentado la “seducción de la materia”.

Pero esta cuestión, que centra el acto creativo en el propio hacer, está en la misma dirección del “no busco, encuentro”. Básicamente, Picasso, con esa reflexión sobre su proceso creativo, estaba expresando un cambio de rumbo en los procesos creativos. En el Renacimiento, se partía del objeto para el estudio de la realidad, era el objeto el punto de partida (de ahí la perspectiva lineal); en las Vanguardias, era el sujeto el punto de partida, es decir, que el tamiz por el que pasaba el estudio de la realidad era el propio sujeto, era la mirada subjetiva, la propia experiencia del artista con el hecho creativo fue lo que marcó el giro, de ahí que la realidad se dejara a un lado, y fuera el mundo del artista, su propia subjetividad lo que se puso en valor, de ahí los múltiples “ismos” y corrientes artísticas.

Picasso fue el protagonista de ese giro. Picasso es para mí, el gran intelectual del siglo XX, el gran creador, porque su método, sus modos y modelos de crear trascendían el propio hecho pictórico, proponía y plateaba nuevos modelos de conocimiento, se inauguraba una nueva episteme. Picasso era más que un artista, era un creador, aunque puedan parecer iguales los conceptos no lo son exactamente, porque pueden concurrir o no.

Entiendo yo la creación como una vía de conocimiento, una experiencia de vida, como ya dije en las primeras palabras que escribí en el blogg: Es como un líquido que toma la forma del recipiente en que se vierte. Hay poesía de pintura, de literatura, de música, de escultura, de arquitectura… Habrá incluso una actitud poética que no se materialice en nada sino en un procurar estarse ante las cosas con una posición de aprendizaje, de pregunta, de perplejidad… En los doce años que estuve pintando sin parar, probé con todo lo que se me cruzaba, óleo, témpera, acuarela, pastel, acrílico, encáustica, fresco, era una búsqueda que no podía parar y de ahí, me fui a la escritura y a la investigación. Pienso ahora, como dicen las anteriores palabras, que eso de la creación lo vivo yo como ese líquido que se llama curiosidad y perplejidad y que, realmente, me da igual la forma que tome, si de pintura, de escritura o de querer… En definitiva, es una posición ante la vida, es un posicionarse ante la experiencia de la vida que a cada uno se nos regala y que cada uno decimos con que intención queremos vivirla. Y en esa dirección creo, que la intencionalidad del artista es lo que determina el porqué de su proceso creativo, en ese proceso de autoconocimiento, de autoexplicarse y de mostrarse al mundo y darse a los demás o qué dejamos de nuestro paso por aquí.

Picasso, trabajador incansable, no se ahorró ni un solo camino en la formación y desarrollo de su propio talento creativo, pasó por todas las etapas y todas las fases, pasó por todas las etapas posibles, de una a otra con total naturalidad y con una valentía infinita. Y así pudo abandonarse, abandonarse a la nada porque partía del todo. Es un verdadero placer abandonarse al gozo del hecho creativo, pero el hecho de hacer en sí, de centrarse en el hacer puede quedarse en eso, en la nada del hacer (en el “refreir” apoyado en el discurso que apoya a la “nada”, el pastiche, como fundamentalmente pasó en la posmodernidad, y de lo que intentaré hablaré más adelante); o en la inmensidad de la conquista de la horizontalidad, y el alivio del ingreso en la humanidad, siguiendo las palabras de Jordi Díez.

_Proceso_María Bisbal

De la misma manera que el pintor se aleja y se acerca al cuadro para observarlo, el mundo exterior e interior de uno mismo están dialogando, entre otras cosas, de cómo encontrarse. Es la manera de unir lo que vemos con lo que imaginamos para formar lo que queremos llegar a representar.

Me veo mirando el entorno, preguntándome si eso es “dibujable” y cómo sería, sin llegar hacerlo muchas veces o haciendo esquemas sencillos como ejercicio mental para entender lo que estoy viendo y el por qué me ha atraído eso. Como desde hace tiempo me voy centrando en la figura humana de retrato y de tipo, aquello que me ha sugestionado se debate entre lo abstracto de las formas, los colores, la luz... y los aspectos emocionales que transmiten. Intento no perder la consonancia entre la figuración y la abstracción pero obviamente he de insistir en los aspectos formales, pues en un retrato el retratado se tiene que parecer, y este aspecto no es en principio prescindible. El procedimiento que hago consiste en representar a una figura reconocible a través de una interiorización de “la realidad vista” para apropiarse de esta e interpretarla.

Eso me ha llevado a enfatizar en la parte técnica del proceso y a pesar de que pueda sonar académico u oficioso, no me asusta, pues el empeño que pongo en comprender la técnica viene de la mano de sucesos inexplicables, para bien o para mal . Y creo que una parte importante del proceso creativo es el esfuerzo, la constancia y la toma de decisiones definidas, para luego soltar amarras y dejar paso a la intuición pictórica.

En mi caso es importante tener siempre una intención previa. Una búsqueda que muestre una parte del camino que se va a recorrer con la obra, ya sea de carácter emocional o formal. Y sabiendo que hay un amplio abanico de posibilidades en lo que vemos y lo que queremos representar he incluido en mi vocabulario (y en mi vida) la palabra problemas como parte positiva de este proceso, pues de la resolución de estos surge el reto. Y eso en parte es lo que hace que siga buscando “algo” en la pintura.

Cuando una idea o asociación de ideas se van transformando en una representación  pasa por multitud de elecciones tomadas desde la memoria, la observación, las sensaciones, los materiales, la técnica... y el acto de pintar en sí se convierte en una parte del todo. Esto me recuerda a lo que Rafael Argullol escribe en el Brevario de la Aurora sobre el destino donde lo define como: “la elección que hemos fingido azar “, que aplicado a la pintura,  me hace ver que las decisiones tomadas no son aleatorias sino que provienen de un esfuerzo por buscar en ellas “lo deseado” y de la constancia de construir un camino propio en el proceso creativo.

David Casals, pintor

La panacea

Quizás lo más difícil para el artista es intentar poner orden para, a posteriori, entender qué hace y para qué. Pero con el tiempo uno llega a la conclusión de que estas preguntas mejor no hacérselas. La importancia no reside precisamente en el resultado, en lo que se ve, en lo que perdura, sino en todo lo anterior, en el proceso que nos ha llevado a tal fin. Y es éste el que da sentido a la existencia del artista y es buena la obra que dé lectura de él. Querer comprender este camino y, además, transmitirlo, es ardua tarea, quizás imposible. La perseverancia en la búsqueda del qué, normalmente te lleva al fracaso, no encuentro el método para llegar a él. Me doy ahora cuenta de que me enquisto en buscar el gran tema, el gran motivo, en el que valga la pena emplear largas jornadas de pincel con el fin de obtener un resultado sorprendente. Saber cuándo y cómo te llegará esta idea sería la panacea para la creación artística. Pasas meses, incluso años, no sin trabajar, pero deambulando de un lado para otro. Jornadas enteras, semanas enteras, en que estás esperando aquel instante lúcido en que todo se clarifica y empieza el camino de una nueva pieza. Tiempo que dedicas a obras que quizás no llegarán donde tú pretendes. Intentos fallidos que con el tiempo llegas a comprender y a cogerles cariño. Pretender llegar a ser lo que no eres, ni podrás ser nunca.

Depurar esto te lleva a comprender que todo es más cercano, que la respuesta no está allí fuera, sino dentro de ti. Te aferras en buscar paisajes lejanos e insólitos, sin darte cuenta de la fuerza de algo tan cercano como la pared de piedra del taller. Es en este punto cuando comprendes que tal panacea no tiene que existir, por qué quizás la magia está en no saber de este instante, en estar esperándolo, en querer engullirlo en cada bocanada de aire. Y es este vilo el que te mantiene y da sentido a todo el proceso de creación.

Y llegará la inspiración que pondrá a funcionar toda la maquinaria. Te tendrás que pelear con el motivo para darle resultado, y tus habilidades te salvaran del triste fracaso. Encima, cuando lo hayas conseguido, comprenderás que volviste a quedar lejos. Necesitas volver a empezar.

David Casals, junio 2012.

Lalo García, director de cine

Soy creador audiovisual desde antes de los comienzos de mi carrera profesional.

Comencé con la fotografía, disciplina que sigo practicando en un ámbito más personal que público. Mi experiencia en el campo audiovisual ha ido recorriendo diferentes áreas. He dirigido un largometraje de ficción (siete pasos y medio) premiado en el Festival de Cine de Málaga con dos Biznagas. He tocado el género documental para televisión (ej: creadores de hoy), o documentales personales (ej: bo?, mar de fondo). He realizado publicidad con diferentes tipos de difusión: televisiva, mercadotécnica, interna, etc...

También he creado tiras audiovisuales para su visionado en internet

(ej: no credit) Y otras cosas más.

Los procesos de creación y su comunicación

Es particular el proceso de creación en el audiovisual, por las heterogéneas herramientas usadas, que permite el comienzo de cualquier obra desde muy variados puntos de partida. De todas maneras, aunque académicamente está muy estructurado el recorrido necesario para la creación, la realidad siempre faculta la mutación de ese academicismo. En esta disciplina, no sólo es importante el hecho del análisis de la creación audiovisual en sí misma, sino la capacidad que posee de transmitir el proceso de creación en diferentes áreas, fundamentalmente artísticas, de la actividad humana. El proceso de creación se desarrolla en múltiples actividades del ser humano y, sin embargo, el hecho en sí es algo poco transmitido, a diferencia de otras actividades del hombre. En general, nos enseñan el porqué de las cosas en el ámbito social, pero es poco habitual esa comunicación sobre el trabajo personal, y aunque existen ese tipo de estudios y miradas, los utilizan principalmente los conocedores de las distintas disciplinas. Como en todos los ámbitos de transmisión educativa, el análisis de las experiencias de los creadores, nos lleva a analizar y descubrir sus busilis para poder entender más la necesidad, el momento, la situación, la duda, etc... del proceso de creación.

Partiendo de estos puntos, es una experiencia prometedora y enriquecedora la comunicación de los procesos creativos de diferentes artistas, que se enfrentan a ellos cada día como forma de vida.

Raquel Caerols & el Proceso Creativo

Hola a todos:

en primer lugar, expresaros mi entusiasmoooo por la propuesta, porque surga de los artistas que estáis en plena tarea, esta inquietud, y agradecer a Guillermo, el ponerme en el cruce de caminos de este proyecto, mil gracias. Encantada también de conocerte, Jordi y gracias por darme a conocer el proyecto, que he leído atentamente. Dicho esto, paso a contaros mi película.

Soy Raquel Caerols, profesora de Nuevas Tecnologías en Bellas Artes en la Universidad Antonio de Nebrija. Eso en la actualidad, pero para que os situéis...Allá por mi temprana adolescencia, no sé por qué extraña razón me dio por coger los pinceles, sucumbí a la fascinación que me producía el trabajo con el color, y esa necesidad que me parecía primordial fue perdiendo terreno conforme me fui metiendo en el doctorado, en la investigación, en las lecturas sobre arte y el por qué de los procesos creativos (pienso ahora que la adolescencia se me alargó es exceso, porque esto fue avanzados los veintitantos, jeje).

La docencia y la investigación es ahora mi tarea primordial, no sé si algún día volveré a coger los pinceles o me centraré en el trabajo con el video como forma de expresión artística, pero el trabajo investigador para mí es un juego con el pensamiento, es jugar con las ideas como jugaba con el color. La defensa de mi tesis fue así, la primera media hora fui todo lo académica que tocaba y los últimos minutos me dediqué a lanzar conceptos e ideas de las que no tenía toda la certeza, monté un buen pisto entre los miembros del tribunal, pero esa era la idea, había que jugar un poco, y había dos posibilidades, que me echaran a las cavernas u obtener la máxima calificación (fue la segunda, jeje).

Y ese juego es en el que estoy, porque si no juego, no me lo paso bien, y si no me lo pasara bien, me retiraría. Mi doctorado se centró en el estudio de la creatividad, en saber qué es esto de la creatividad, y en líneas generales, ya sabemos que la creatividad es algo consultancial al ser humano, es decir, que no es una cuestión reservada a unos pocos, ni todo artista es creativo, ni todo artista es genial, loco, etc. y demás mitos asociados al artista. Básicamente, la creatividad es, en principio, una cuestión mundana y de superviviencia. En las últimas declaraciones que hizo Arsuaga, el director de las excavaciones de Atapuerca, explicando la evolución del hombre, afirmó que el Homo sapiens sapiens sobrevivió frente a los neardentales porque aquél tuvo la capacidad de construir mundos, por su capacidad creativa y simbólica. Vualá, somos humanos, pues, cuestión que me tranquiliza, y dedicar el día a día específicamente a esto, quizás nos haga más...

Dice Antonio Gala en la introducción de su libro de poemas:

No tengo yo una idea muy original de la poesía. Me parece que equivale a la poyesis platónica, en la idea de construcción o de creación. Es como un líquido que toma la forma del recipiente en que se vierte. Hay poesía de pintura, de literatura, de música, de escultura, de arquitectura… Habrá incluso una actitud poética que no se materialice en nada sino en un procurar estarse ante las cosas con una posición de aprendizaje, de pregunta, de perplejidad: algo que no es más que una vía de conocimiento.

Y así entiendo yo la creación, como una vía de conocimiento, de crear formas, modos y modelos de pensamiento. Y ahí creo que es fundamental que los artistas trasmitáis, comuniquéis vuestros procesos creativos. Estos son metodologías que se traducen en modelos de instrospección, de conocer el mundo, cuestión que se puede extrapolar o simplemente quedarse como una vía de autoconocimiento para el propio artista. Porque el arte, como la vida, debe ser una acto consciente, y ahí está la dificultad, el máximo grado de dificultad para todos.

Picasso decía esa famosa frase de "No busco, encuentro", pero Picasso tenía una mano, un ojo y una mente tremendamente entrenado, y en ese acto consciente de creación podía abandonarse al azar. La película "Los misterios de Picasso" es un verdadero escpetáculo de ese hecho, de su proceso creativo. ºEl cubismo puede entenderse no como estilo, si no como método, como modelo de conocer el mundo, y cada proceso que siga el artista es un modo de autoconocerse y modelo de y para conocer el mundo, y ese es el gran legado que nos podéis dejar los artistas, porque el arte es conocimiento.

En mi tesis me centré en el por qué de los procesos creativos, por qué cambian los modos de crear, por qué se creó la perspectiva lineal como modo de estudio del mundo y la realidad, y por qué ese modelo dejó de ser válido y apareció el cubismo, eso es, son modos diferentes de entender la realidad, modelos de pensamiento. Es ahora, pasadas esas etapas de la historia del pensamiento y la creación, cuando la mirada subjetiva, es decir, la del sujeto, la que nos pertenece, conquistó el mundo en las Vanguardias Históricas, cuando se hace necesario, más que nunca, que el artista se haga estos interrogantes. La etapa del Renacimiento fue la de la mirada objetiva, la de las Vanguardias la de la subjetiva y ahora estamos en ese cruce de caminos entre lo objetivo y subjetivo, es decir, cuando el hombre es plenamente consciente de su subjetividad. Dice también Arsuaga que el hombre, en el proceso de sus etapas evolutivas, es ahora cuando ha alcanzado su edad adulta, sabe de dónde viene y por qué ha llegado aquí. Cuando afirmáis que el azar forma parte del proceso creativo estáis haciendo consciente la circunstacia del azar en vuestro proceso de creación, y es esa medida, puede ser controlable y gestionable y conseguir que el balance entre los días de desasosiego y de pleno disfrute, caigan en su mayor parte en el pleno disfrute. Curiosamente, me produce más vértigo el papel en blanco cuando me pongo con un artículo que el lienzo el blanco, debe ser que el color tiene para mí el poder calmante. Pero creo, sinceramente, que es cuestión de entrenamiento, de hacer músculo y de disfrutar en el camino. La creatividad, como decimos es, en principio un elemento de supervivencia, pero a partir de ahí hay mayores grados de complejidad, y ahí está el trabajo intelectual y el trabajo del artista, que se tiene que enfrentar con ello día a día en su taller, ahí está la dificultad.

Y ahora, por último, paso a contaros mis proyectos al respecto  y por qué me interesa y me hace especial ilusión que hagamos fusión entre el vuestro y el mío. Desde mayo, estoy coordinando un libro con el responsable de investigación de la Nebrija, Juan Arturo Aróstegui, dedicado a la praxis del artista, a sus porcesos creativos y a entenderlos como modelos de investigación y de conocimiento. Nos interesa, pues, un cruce de caminos entre artistas y teóricos, a que se establezca un fructífero diálogo que nos enriquezca a todos. El título del libro es: "La praxis del artista en el proceso creativo como hacer investigador". Es de nuestro interés que el artista nos de cuenta de sus procesos creativos, cómo son y cómo los entiende. Lo planteamos como una convocatoria de artículos para todo aquel que quiera y necesite contarlo y compartilo. La idea es que después se organicen unas jornadas en la universidad para la presentación del libro y se haga una mesa redonda, un espacio de debate y discusión.

Además, en la Semana de la Ciencia (15 de noviembre concretamente) estoy invitada en una mesa redonda junto con José Antonio Marina ha dialogar sobre estos temas. Os recomiendo sus libros. En esta mesa, él hablará sobre la educación del talento, estoy segura de que os interesará. En caulquier caso, cuando se acerque la fecha os lo recordaré.

Y uuuff, lo que me he enrolladoooo. Si alguien ha tenido la paciencia de llegar hasta aquí, mi enhorabuena. Y desde luego, me encantaría que tuviéramos un encuentro y comentar y compartir esto en directo. Espero que os haya interesado lo que os he contado, a pesar de algunas pajillas mentales mías, jejej.

Espero vuestras noticias y que podamos colaborar. Eso sí y, apropiándome de la frase de Guillermo, siempre despacito y con cariño, las cosas así, innevitablemente, salen bien.

Un abrazo!!!