PENSANDO EN MUSARAÑAS...

El texto que viene a continuación está escrito por Tania Hernández, la mujer de Quim Hereu. Ambos son la última incorporación al TPC. Visité, con Gerard Mas el escultor, el espacio en el que Quim ha pintado la primera parte de una colosal trilogía que está haciendo. Esa primera parte es un cuadro titulado "El estrambótico nacimiento de Venus o La Fábrica del Tiempo", una soberbia tela de 12x16 metros que define poderosamente el estrambotismo como incursión en la historia de la pintura. Situarse frente a la obra de Quim Hereu es experimentar en toda su magnitud el poder transformador que sólo puede provocar la potencia atemporal del arte en su máxima expresión.

Podéis verlo en www.stramprivata.com

PENSANDO EN MUSARAÑAS…

Tuve la fortuna de estudiar en una escuela de arte, tengo la fortuna de conocer a varios artistas y de vivir con uno de ellos. He tenido la fortuna de sentir la motivación que precede a la creación artística y por así decirlo he tenido aquel sentimiento espontáneo que te llega de golpe y te enciende la bombilla cerebral que algunos llaman inspiración.

Desafortunadamente carezco de todo lo demás para poder crear una obra de arte.

Un optimista Thomas Alva Edison decía que no había fracasado en su intento por  inventar la bombilla sino que había tenido éxito en saber 999 maneras de como no debía hacerla. Pues algo similar creo que me pasa a mi. Se, que una repentina encendida de bombilla sobre mi cabeza y esa necesidad de llevar a cabo una idea creativa no lo es todo, y se , por la fortuna que he tenido de convivir entre verdaderos artistas, las 999 maneras de como no encontrar la inspiración.

La naturaleza del artista es fascinantemente contradictoria, los artistas (en mi opinión y no quiero que se me malinterprete)  son egocéntricos, envidiosos, tercos, necios, eufóricos y obsesivos. Estas características en un ser humano que no se dedica a la creación artística serían el cuadro clínico de una patología psicológica. Pero en un artista y en dosis concentradas, son verdaderos dones.  Ya lo decía Stephen Hawking: la irregularidad , la imperfección y el caos fueron lo que le dieron origen al universo.

Sin el egocentrismo, el artista no defendería sus opiniones, creencias y decisiones con fervor, sin embargo un exceso de ego lo convertiría en egoísta y narcisista.

Sin la envidia, no reconocería el talento de otros artistas y no sentiría la necesidad  de emularlos y superarlos.

Sin la terquedad ni la necedad no justificaría el por qué de un proyecto que a la mayoría de la gente le parecería una locura.

Sin la euforia ni la obsesión no llegarían a encontrarse el tiempo, de inventarse días  para poder concretar sus obras.

Como en todo, el exceso lleva a la perdición y aquellos artistas que muestran fuera de su estudio estas singularidades de su personalidad son los que de una u otra manera terminan fracasando y llevando su obra a la mediocridad.

Por así decirlo, estas características son el lado obscuro de la creatividad, y los artistas no son blancos o negros son multicolor. Como decía Morticia Adams:“ la normalidad es relativa, lo que es normalidad en la araña a la mosca le representa un caos”.

Y para que el caos pueda dar paso a la creación, igual que en el universo, deben alinearse ciertos elementos. Estos son algunas hipótesis que tengo sobre como puede llegar a perderse la inspiración artística:

1. Eliminar el espacio de creación : A veces escucho que los artistas viven en otro mundo. ¡Pues es verdad!, ellos necesitan su propio espacio, un taller alejado de la cotidianidad de la vida mundana. Les es imposible, en el momento en que deciden ponerse a trabajar ,hacer cualquier otra cosa que para cualquier ser humano común pareciera necesario como  ir a sacar la basura o pagar los recibos al banco.
2. No tener las herramientas adecuadas : Si bien es cierto que un verdadero artista puede crear con lo que tenga a mano, el uso de materiales de calidad reducen el nivel  de frustración durante el proceso de la obra.
3. Eliminar las aficiones: Ser pintor, escultor , músico etc. a diferencia de lo que piensa la gente , es un trabajo, un oficio que requiere mucho tiempo . Para muchas personas que no se dedican al arte la necesidad de tener un hobbie o afición las distrae para regresar con más ánimo a sus labores cotidianas. Lo mismo pasa con los artistas, Quim siempre dice que es tan necesario saber pintar como dejar de hacerlo.
4. Perder la capacidad de asombro: Siempre hay algo de lo cual asombrarse en el mundo, esto genera por si sólo la capacidad de observación. Pienso que no se puede crear algo nuevo sin antes admirar con pasión lo ya existente.
5. Dejar de divertirte con lo que haces : Cuando tu trabajo se convierte en obligación mágicamente la inspiración se va... no se por que, pero es así.
6. Dejar pasar la motivación: Cuando se siente esa necesidad de trabajar no se puede perder tiempo valioso. Dicen que la motivación no dura ni el baño tampoco , es por eso que se recomienda  hacer ambas cosas a diario.
7. Rodearte de personas que no comprendan lo que haces: no hay nada más desmotivante para un artista que tener que convencer a su entorno el por qué hace lo que hace.
8. Olvidarte del objetivo: Si no tienes claro que quieres hacer , por más que lo intentes no lo lograrás. Los accidentes dentro del arte suceden. Dicen que el creador del post-it   buscaba inventar el pegamento más fuerte del mundo y terminó descubriendo el pegamento que se pega y despega. Su invención fue un accidente,  pero él tenía un objetivo claro y definido de a dónde quería llegar.

Me parece que lo que he citado son simplemente reglas básicas de convivencia entre el artista y su contexto, nada que no se sepa ya. Respecto a las musas, dudo que existan, no concibo a ningún  artista inspirándose con una mujer imaginaria hablándole todo el tiempo y atosigándolo en su necesaria soledad creativa.

Tania Hernández.

L'Estartit 2012

Guillermo Oyágüez Montero. Mi tímida participación.

Saludos a todos, comienzo con mi primer escrito  a Jordi cuando me anunció que contaba conmigo para participar en este Proyecto sobre el Proceso Creativo.
"Jordi, buenos días, estoy aqui sentado mirando al infinito, escribiendo. Llevo días anotando cositas, pero Jordi no es lo mio la literatura, no quisiera que caso de que no esté a la altura de lo que pretendéis con este proyecto, te sientas en la obligación ya una vez hecho el contacto de contar conmigo, mi manera de proceder es otra.  Te mando lo que he sido capaz de escribir. No soy de tirarme el rollo, y no quiero con esto decir que vosotros lo hagáis, me refiero a inventar para estar en sintonía con vosotros, vosotros tenéis esa linea de trabajo y esas preocupaciones, estáis en un proyecto precioso e interesantísimo que es de vuestro rollo, ¿lo es del mio?; no quiero que con esto pienses que tengo falta de interés o desánimo, pero me pregunto si cuadro.
Ante  estas duda  Jordi me dijo que adelante, y aquí está el fruto de mi esfuerzo. Y digo esfuerzo porque no quiero ponerle claves a mi pintura, ni modos, quiero que sea lo que yo no soy, ni nadie que viva en esa sociedad, libre. Todo lo que llevo leído vuestro me gusta en algunos casos y  me inquieta en todos, aunque suena contradictorio con lo que ahora voy a decir, me gusta sentirme inquietado. Creo que es una pena descubrir  mi proceso creativo, para algo que puede fluir sin ser interrogado, cuestionado, para al final terminar encasillado en,,,, "a este pintor se le podría incorporar a los pintores de proceso creativo tipo b, que partiendo de tal y cual,,,,luego desarrollan un tal y cual "  o quizá en  el tipo A, que,,,,,,
"Escribir un texto para explicar mi pintura, me resulta igual de complicado que contar como soy yo, pasan los años y me recuerdo pensando que la edad me daría respuestas a muchas preguntas, pero compruebo que no es así, simplemente me dejo llevar y no me pregunto ya nada, me gusta viajar y pintar, ¿viajar es una motivación para pintar, o lo es pintar para viajar ? 
Hace años escribí "no sé por qué pinto lo que pinto, ni qué digo con lo que pinto, tan siquiera si quiero decir algo con lo que pinto, quizá si lo supiera no lo pintaría, por eso cuando me lo pregunto, no me lo contesto, y así sigo, sin saber por qué pinto lo que pinto, sin saber por qué pinto, pero pinto". Sigo igual.
Entiendo cuando hablo del proceso creativo con otros artistas lo que me quieren decir, lo veo muy cercano a mí, pero al mismo tiempo distante, quizá esto que nos acerca y nos distancia es una búsqueda de lo mismo, pero con una manera distinta de llegar a ello. En mi caso no hay una preocupación previa antes de pintar, no trato de razonar por qué haré una cosa y no otra, me paro ante algo que me motive sin preguntarme más, ¿ me motiva?, me paro, lo capto y me lo llevo a casa en forma de apunte, cuadro o en su defecto foto.  Digo en su defecto sí, considero que pintar de foto es copiar una imagen ya estática, sin vida ni sensaciones, sin embargo cuando trabajo al natural, cada pincelada dibuja un diario, en el que  nada más ver el cuadro recordaré ese día, qué temperatura hacía, si corría el aire, si había mucho ruido de la calle o silencio, que personas se acercaron a curiosear, y qué preocupaciones asaltaban mi cabeza, si tenía tristeza o alegría, júbilo o desánimo, todo, todo esto estoy convencido se  impregna en el cuadro de manera no premeditada. Entre los miedos que tengo cuando pinto es caer en la obviedad y en el recurso fácil, colores vivos expresan alegría, colores grises y neutros serenidad, trazos quebrados fuerza, curvos armonía...
De lo que llevo escrito quizá se podría deducir que mi proceso creativo comienza con una huida de explicaciones y con una elección no argumentada del tema que voy a pintar.
Hace poco, paseando por el Sur de Portugal, en la playa de Beliche, Sagres, y ante la contemplación de ese acantilado y playa virgen, me imaginé como sería en los tiempos en lo que no existía la fotografía, y para alguien que no supiera pintar o dibujar, contemplar tanta belleza y no poder de alguna manera llevársela. Sólo en su recuerdo persistiría ese paisaje infinito, ponerme en esa situación me pareció de una tristeza preciosa, el recuerdo, una imagen guardada en el cerebro. Y al pensar sobre esto, creo que dí una respuesta a por qué cuando pinto, hago la primera mancha del natural o de foto ( según el caso) y no vuelvo más a ni uno ni al otro en las sucesivas sesiones de trabajo, para que sea mi recuerdo quien termine el cuadro.
Es ese recuerdo el que dará un toque personal al cuadro, ante la observación de algo, todos veremos los mismo, pero no todos sentiremos lo mismo al mirarlo, ni tendremos la misma imagen al recordarlo.
Siempre me ha sorprendido los artistas que pegan un cambio radical en su obra, no tanto por esa transformación, sino por el tiempo que tarda en producirse, si ese tiempo es corto, su trabajo mentía antes o ahora. Es una opinión que me ha granjeado alguna disputa, pero que defiendo con firmeza, personalidad y obra van estrechamente ligados, y si es una tarea tan ardua cambiar un comportamiento, debiera de serlo una manera de hacer en tu obra.
Quizá por lo que voy explicando, esa huida de querer razonar y explicar lo que para mi es el arte, haga que mi trabajo parezca quedarse en algo simplemente estético, un gusto sin más por el tema elegido o por el hecho de pintar. Hay algo más, lo sé y lo percibo cuando pinto, de lo contrario no sufriría tantos cambios el cuadro, tantos borrones y marchas atrás, cabreos y disgustos. Ocurren más "cosas" cuando pinto, pero no es premeditado, lo que pinto lo pintamos yo y mis circunstancias y vivencias, y al final lo que queda es un resultado, que no tiene por qué transmitir menos que la obra de aquel que desde el inicio se plantea cada paso que da. La obra ahí queda, ante el expectador, explicar las obras es interferir en la experiencia que ella le produce." Hasta aquí el primer escrito.
Han pasado unos meses,,,y meses después, como ya esperaba no ha habido mucho  cambios en mi manera de pensar, a mis constantes dudas respecto del proceso creativo y su utilidad o no de intentar escudriñarlo,se une que me siento reacio a escribir sobre ello. No me gusta saber la razón de tantas cosas.
Si cada cosa que nos pasa por la cabeza, hacer o decir, le pasamos filtros y filtros de ¿y por qué?, terminaríamos por encontrar más razones para no hacerlas que para hacerlas. En nuestra vida social le hallo más sentido, no todo lo que se nos ocurre podemos hacerlo, pues en muchos casos no sería bueno, hemos de contar con lo y los que nos rodean. Dar un abrazo a un ser querido es precioso, pero si no se  hace al instante puede limitar su impulso de hacerlo.
En mi caso todo comenzaría preguntándome si la Pintura, que en este caso es mi  " modo
de expresión " es realmente mi modo de expresión. Para ello sería bueno tener claro que quiero expresar, y no quiero saberlo, quiero sorprenderme conmigo mismo, mis cuadros están hechos para mí primero y luego para los demás y de nuevo volvemos a lo anterior, si
lo que quiero expresar es como soy, como me siento, como pienso, que opino de lo que tengo delante, se me ocurre que la escritura, o la palabra es sin duda la mejor manera de hacerlo, y no solo para mí, considero que para casi todo el mundo. Si lo que quiero expresar es mi lado más desconocido, interiorizar, dar ni lo que yo sé de mi mismo, ahí si encuentro más apropiada la pintura. Y es desconocido porque no lo conozco, a mí me gusta mirar mis cuadros y mirarlos como si no los hubiera hecho yo, el no saber nada de qué razón me ha hecho pintar eso, con ese encuadre, de esa manera, dando importancia a una cosa u otra, empastando más aquí o allá, tachando lo que más elaboré, para llevar la atencíón a otro lado que de primeras me resultaba sin importancia, la sorpresa, lo inmediato e improvisado, me parece mágico, ahí está un misterio que no quiero llegar a conocer,
Y ahora me cuestiono, y ¿ para qué expresarse de esta manera, si soy consciente de que dificilmente explica lo que pienso? A veces, y espero no ser el único al que le ha ocurrido esto, he pensado si dejar de pintar me vendría bien, mis amigos, escandalizados me han preguntado, " ¿Guille y qué harías?" y siempre respondo de la misma manera,,,cualquier otra cosa en la que poner cariño, quizá llevar un restaurantito en el que con cariño atender a pocos comensales,,,quizá para mi la pintura no es una manera de expresarme sino una manera de ser.
Cuando viajo  siempre llevo mi material, me asusta la posibilidad de ver algo que quiera pintar y no llevarlo, algo que solo pueda pintar en ese momento y allí, , que sea tan impactante que me pida estar allí, y pintarlo  ya,  no recurriendo a la foto, que se queda tan vacía, tan hecha, sin aire, sin sonidos, y aunque casi todo lo que veo me gusta, como decía un  catedrático que tuve " no hay malos temas, hay malos pintores",  no todo me impacta, no siempre lo  pinto, no todas las mujeres me impactan, aunque me gusten, no a todas me acerco, la posibilidad de llevarse una mala contestación o negativa ( que no es lo mismo ), ha de ser por algo que realmente merezca la pena.   El comienzo de un cuadro,,,es una sensación,,, algo que me pide representarlo, y es igual de intuitivo que el final, en mi caso cuando  ya estoy muy harto de poner tanto cariño al cuadro, todo lo que añada al cuadro y no lo haga con cariño me sobra. No sé si os sorprenderá que compare la pintura con las mujeres, pero cuando aconsejo a mis amigos que busquen un trabajo, que no les quite mucho tiempo para pintar,,,siempre les añado,,, se es pintor por pintar, no por vivir de la pintura, el mayor lujo que se puede permitir un pintor es dejar de pintar cuando quiera dejar de pintar y retomarlo cuando quiera, y no por necesidad, y termino añadiendo, pintar sin ganas, es como  estar con una pareja sin ganas.
Quizá el resumen de mi intervención sería que no atiendo al proceso creativo, me interesa el resultado y me atrae que nada sea concreto, que ni el proceso, ni el resultado sean esperados, lo otro no me sorprende y me desencanta. Es estar desnudo antes de desnudarse.

Nuevas incorporaciones: María Bisbal

Para empezar, saludamos la incorporación al proyecto de María Bisbal y Lilith (ella nos dirá dónde ver cosas suyas, porque yo las he visto en directo pero no sé si tiene web), ambas pintoras de buten, cuanto menos, porque Lilith, con su permiso, aparte de pintar hace otras muchas cosas en plan multidisciplinar. 

María Bisbal

2008- 2012 Asistente del pintor Hernán Cortés Moreno. Madrid. 
2009-2012 Socia fundadora de El Forn del Arte. Madrid.
2009 Curso: “El desnudo: nuevas figuraciones en escultura, pintura y dibujo” Escuela Complutense de Verano. Madrid.
2008: Curso de Acreditación Pedagógica. Instituto de Ciencias de la Educación, Madrid.
2006- 2007: Beca de Colaboración en el departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la UCM.
2004-2005: Beca Erasmus en la Facultad de Diseño. Universidad Politécnica de Milán.
2001-2007: Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.

Publicaciones y exposiciones
2007: Publicación del Vídeo Documental “Color en Balmandir”, Proyecto de Cooperación al Desarrollo en Nepal con la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. 
2008: Publicación del Vídeo Documental “Color en Sinincay”, Proyecto de Cooperación al Desarrollo en Ecuador con la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.
2009: Exposición de pintura “Impulsos”, AC Nanai. Madrid.
2010: Arritmia: Acción de Arte y Sonido Experimental, La Casa del Estudiante, Universidad Complutense de Madrid.
2010: Exposición colectiva en premio Joven de Artes Plásticas de la Fundación General de la UCM. Madrid.

Obra en colecciones 
2008-2009 Retratos de Guillermo Ruíz, Aroma Ruiz, María del Carmen Senen y Jacobo Valdés.
2010 Retratos de Ivan Valdés, Daniel Martín, Mariana Cavero, para colección particular; Luis Jiménez de Asúa para la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación, Madrid.
2011 Retratos de Regina Cavero, Andrea Cavero, Regina Belda y Hofheinz y Mirian Persand.

irim.lux, pintor

Multiplicidad, fragmentación, puzzle, sampler, micro-macro, expansión, clonación...

Dentro de los parámetros de la pintura podemos hablar de una evolución sistemática, no sin pasar por los nuevos “neos”, pero decidiendo que hay un más allá dentro de su concepto actual y sobretodo futuro. Por ejemplo, ya no podemos hablar de abstracción por si sola, sino de que hay una evolución de la misma hacia un movimiento continuo no evidente con el que nos enfrentamos. Una mezcla compuesta por la larga historia, dónde aquí, más que nunca, sigue hacia adelante con el tiempo y su experimentación constante.

Las “multiplicidades rizomáticas” se encuentran entre una pintura convida propia: nace, crece, cambia, se reproduce... un híbrido entrehumano y máquina, sutilmente autómata, donde da lugar a laexpansión del espacio. Un espacio en sí codificado pero cambiante, establecido por un sistema modular, y este, al mismo tiempo, definiéndolo a partir de fragmentos mutantes, que evolucionan su carácter individual y propio, penetrando en la misma esencia de la creación.

Ahora se propone una visión libre e investigadora hacia un futuro desconocido y retroalimentado por lo que sabemos, pero sin que nos condicione mucho, porque aquí, la pura imagen es la que vale y la que se explica por sí misma. Una imagen biomecánica y autorecargada con el tiempo que la precede, procedente de un abastecimiento propio y del sistema a base de sampleados y collages.

Aquí podemos intuir una arquitectura semiorgánica y cambiante, desplazándose a través del tiempo y autocombinándose para construir y destruir. Un movimiento inestable y directo a través de su luz, dónde se persigue lentamente hacia todo lo que muestra dando lugar a la composición del sistema.

David Casals, pintor

La panacea

Quizás lo más difícil para el artista es intentar poner orden para, a posteriori, entender qué hace y para qué. Pero con el tiempo uno llega a la conclusión de que estas preguntas mejor no hacérselas. La importancia no reside precisamente en el resultado, en lo que se ve, en lo que perdura, sino en todo lo anterior, en el proceso que nos ha llevado a tal fin. Y es éste el que da sentido a la existencia del artista y es buena la obra que dé lectura de él. Querer comprender este camino y, además, transmitirlo, es ardua tarea, quizás imposible. La perseverancia en la búsqueda del qué, normalmente te lleva al fracaso, no encuentro el método para llegar a él. Me doy ahora cuenta de que me enquisto en buscar el gran tema, el gran motivo, en el que valga la pena emplear largas jornadas de pincel con el fin de obtener un resultado sorprendente. Saber cuándo y cómo te llegará esta idea sería la panacea para la creación artística. Pasas meses, incluso años, no sin trabajar, pero deambulando de un lado para otro. Jornadas enteras, semanas enteras, en que estás esperando aquel instante lúcido en que todo se clarifica y empieza el camino de una nueva pieza. Tiempo que dedicas a obras que quizás no llegarán donde tú pretendes. Intentos fallidos que con el tiempo llegas a comprender y a cogerles cariño. Pretender llegar a ser lo que no eres, ni podrás ser nunca.

Depurar esto te lleva a comprender que todo es más cercano, que la respuesta no está allí fuera, sino dentro de ti. Te aferras en buscar paisajes lejanos e insólitos, sin darte cuenta de la fuerza de algo tan cercano como la pared de piedra del taller. Es en este punto cuando comprendes que tal panacea no tiene que existir, por qué quizás la magia está en no saber de este instante, en estar esperándolo, en querer engullirlo en cada bocanada de aire. Y es este vilo el que te mantiene y da sentido a todo el proceso de creación.

Y llegará la inspiración que pondrá a funcionar toda la maquinaria. Te tendrás que pelear con el motivo para darle resultado, y tus habilidades te salvaran del triste fracaso. Encima, cuando lo hayas conseguido, comprenderás que volviste a quedar lejos. Necesitas volver a empezar.

David Casals, junio 2012.

Guillermo Oyagüez, pintor

"Escribir un texto para explicar mi pintura, me resulta igual de complicado que contar como soy yo, pasan los años y me recuerdo pensando que la edad me daría respuestas a muchas preguntas, pero compruebo que no es así, simplemente me dejo llevar y no me pregunto ya nada, me gusta viajar y pintar, ¿viajar es una motivación para pintar, o lo es pintar para viajar ? hace años escribí "no sé por qué pinto lo que pinto, ni qué digo con lo que pinto, tan siquiera si quiero decir algo con lo que pinto, quizá si lo supiera no lo pintaría, por eso cuando me lo pregunto, no me lo contesto, y así sigo, sin saber por qué pinto lo que pinto, sin saber por qué pinto, pero pinto". Sigo igual.

Entiendo cuando hablo del proceso creativo con otros artistas lo que me quieren decir, lo veo muy cercano a mí, pero al mismo tiempo distante, quizá esto que nos acerca y nos distancia es una búsqueda de lo mismo, pero con una manera distinta de llegar a ello. En mi caso no hay una preocupación previa antes de pintar, no trato de razonar por qué haré una cosa y no otra, me paro ante algo que me motive sin preguntarme más, ¿ me motiva?, me paro, lo capto y me lo llevo a casa en forma de apunte, cuadro o en su defecto foto. Digo en su defecto sí, considero que pintar de foto es copiar una imágen ya estática, sin vida ni sensaciones, sin embargo cuando trabajo al natural, cada pincelada dibuja un diario, en el que nada más ver el cuadro recordaré ese día, qué temperatura hacía, si corría el aire, si había mucho ruido de la calle o silencio, que personas se acercaron a curiosear, y qué preocupaciones asaltaban mi cabeza, si tenía tristeza o alegría, júbilo o desánimo, todo, todo esto estoy convencido se impregna en el cuadro de manera no premeditada. Entre los miedos que tengo cuando pinto es caer en la obviedad y en el recurso fácil, colores vivos expresan alegría, colores grises y neutros serenidad, trazos quebrados fuerza, curvos armonía...

De lo que llevo escrito quizá se podría deducir que mi proceso creativo comienza con una huida de explicaciones y con una elección no argumentada del tema que voy a pintar. Hace poco, paseando por el Sur de Portugal, en la playa de Beliche, Sagres, y ante la contemplación de ese acantilado y playa virgen, me imaginé como sería en los tiempos en lo que no existía la fotografía, y para alguien que no supiera pintar o dibujar, contemplar tanta belleza y no poder de alguna manera llevársela. Sólo en su recuerdo persistiría ese paisaje infinito, ponerme en esa situación me pareció de una tristeza preciosa, el recuerdo, una imagen guardada en el cerebro. Y al pensar sobre esto, creo que di una respuesta a por qué cuando pinto, hago la primera mancha del natural o de foto ( según el caso) y no vuelvo más a ni uno ni al otro en las sucesivas sesiones de trabajo, para que sea mi recuerdo quien termine el cuadro.

Es ese recuerdo el que dará un toque personal al cuadro, ante la observación de algo, todos veremos los mismo, pero no todos sentiremos lo mismo al mirarlo, ni tendremos la misma imagen al recordarlo.

Siempre me ha sorprendido los artistas que pegan un cambio radical en su obra, no tanto por esa transformación, sino por el tiempo que tarda en producirse, si ese tiempo es corto, su trabajo mentía antes o ahora. Es una opinión que me ha granjeado alguna disputa, pero que defiendo con firmeza, personalidad y obra van estrechamente ligados, y si es una tarea tan ardua cambiar un comportamiento, debiera de serlo una manera de hacer en tu obra. Quizá por lo que voy explicando, esa huida de querer razonar y explicar lo que para mí es el arte, haga que mi trabajo parezca

quedarse en algo simplemente estético, un gusto sin más por el tema elegido o por el hecho de pintar. Hay algo más, lo sé y lo percibo cuando pinto, de lo contrario no sufriría tantos cambios el cuadro, tantos borrones y marchas atrás, cabreos y disgustos. 

Ocurren más "cosas" cuando pinto, pero no es premeditado, lo que pinto lo pintamos yo y mis circunstancias y vivencias, y al final lo que queda es un resultado, que no tiene por qué transmitir menos que la obra de aquel que desde el inicio se plantea cada paso que da. La obra ahí queda, ante el espectador, explicar las obras es interferir en la experiencia que ella le produce."