propuesta artículos

Hola de nuevo, Jordi:

cuánto me alegran tus palabras, pero vuestros correos me motivaron para dejarme al azar de lo que me decían las emociones. Quiero expresarte también mi enhorabuena por tu trabajo, no lo conocía, todo el trabajo de las esculturas con acero inoxidable me parece espectacular. Dicho esto, voy a intentar concretar como podemos establecer una buena colaboración.

Recogiendo la certera preocupación de Guillermo de que la cosa se disparate, si me permitís, voy a sacar la academia y la teoría a paseo para intentar aportar mi granito de arena al proyecto. Que los artistas os pongáis en disposición de comunicar y transmitir vuestro proceso creativo me parece un regalo que hay que aprovechar, por lo menos para mí, pues es la cuestión sobre la que llevo investigando años. Y ahora bien, ¿se puede investigar el proceso creativo?, ¿se puede hacer investigación en las artes? es decir ¿se pueden crear hojas de ruta, estructuras, mapas sobre el "Caballo de Troya" del que hablas Jordi, sobre la inspiración? ¿Se puede hacer ciencia del arte? ¿Se puede separar la praxis de la teoría, entrando en una especie de bipolaridad? ¿El proceso creativo es en sí investigación, se puede entender como investigación o debemos afirmar que solo es inspiración, azar, esa cosa que no sabemos lo que es y se queda  no sabemos en qué? Yo creo rotundamente que sí, que se puede investigar, que crear es también es investigación, porque los científicos también crean, y hacen partícipe la inspiración y el azar en su proceso.

Esto lo planteo como preocupación y cuestionamiento que está permanentemente en el Departamento de Arte de la Universidad Antonio de Nebrija donde trabajo. Y de esa precupación, propuse al responsable de investigación Juan Arturo Aróstegui, coordinar un libro en colaboración entre artistas y teóricos sobre el proceso creativo. Y ahora os adjunto el proyecto, para todo aquel que quiera escribir. La idea es dar estructura a todos esos delirios poéticos tan estimulantes que intercambiamos, conseguir que todo ese material coga cuerpo y realmente pueda convertirse en una especie, como digo, de hoja de ruta, de ayuda y de pautas enriquecedoras. Os adjunto el proyecto para que lo valoréis y me contéis que os parece, es una convocatoria de artículos, con una editorial de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Sería estupendo que además de recopilar los artículos de investigación, se incluyera un anexo con todas esas ricas reflexiones personales lanzadas tal cual. La idea, luego, es presentar el libro en al Universidad e invitar a los participantes, creando una mesa redoanda y de debate.

Además me interesa de vuestro proyecto la presencia en Tabacalera para comunicar y transmitir vuestro proceso creativo. Yo lo incluiría en el Club de Arte de la Nebrija, de tal manera que hiciera grupo con los alumnos para ir a Tabacalera, o bien gestionar una serie de visitas mensuales de los artistas a la universidad para establecer ese diálogo con los alumnos y comunicar vuestro proceso creativo. Creo que debería ser un ejercicio fundamental el hecho de que los artistas que estáis ahí, en permanente trabajo creativo, transmitáis vuestra experiencia del mismo a los alumnos. Es común ver en las aulas de Bellas Artes la angustia de los alumnos en un caos de diferentes proyectos e ideas, en parte, porque son jóvenes y están en el inicio de su carrera, y también, porque el panorama actual del arte no se lo pone nada fácil, en esa especie de múltiples propuestas sin límites. Así es que vuestra presencia en la universidad me parece fundamental, ahí me interesa especialmente vuestra colaboración. Y luego, por supuesto, todo el material audiovisual que tenéis previsto crear a partir de vuestros trabajos.

Y por último, sé que tenéis hoy reunión en Barcelona, lo mismo deberíamos hacer los de Madrid, para concretar y luego hacer una puesta en común, con reunión final entre todos. Así es que madrileños, a ponernos las pilas, queda echa la propuesta para reunión.

Por cierto, os paso el link de mi tesis doctoral que está publicada en la base de tesis digitales de la UCM: http://eprints.ucm.es/11421/,

Seguimos avanzando, un fuerte abrazo!!

P.D.: Recomendación de libro al respecto: "Arte e ilusión" de E.H. Gombrich, siempre Gombrich, me encanta. Buena reunión y nos contáis!! La convocatoria de artículos lo tenéís, como documento adjunto, en el correo que he enviado a Jordi y Guillermo.

Raquel Caerols

irim.lux, pintor

Multiplicidad, fragmentación, puzzle, sampler, micro-macro, expansión, clonación...

Dentro de los parámetros de la pintura podemos hablar de una evolución sistemática, no sin pasar por los nuevos “neos”, pero decidiendo que hay un más allá dentro de su concepto actual y sobretodo futuro. Por ejemplo, ya no podemos hablar de abstracción por si sola, sino de que hay una evolución de la misma hacia un movimiento continuo no evidente con el que nos enfrentamos. Una mezcla compuesta por la larga historia, dónde aquí, más que nunca, sigue hacia adelante con el tiempo y su experimentación constante.

Las “multiplicidades rizomáticas” se encuentran entre una pintura convida propia: nace, crece, cambia, se reproduce... un híbrido entrehumano y máquina, sutilmente autómata, donde da lugar a laexpansión del espacio. Un espacio en sí codificado pero cambiante, establecido por un sistema modular, y este, al mismo tiempo, definiéndolo a partir de fragmentos mutantes, que evolucionan su carácter individual y propio, penetrando en la misma esencia de la creación.

Ahora se propone una visión libre e investigadora hacia un futuro desconocido y retroalimentado por lo que sabemos, pero sin que nos condicione mucho, porque aquí, la pura imagen es la que vale y la que se explica por sí misma. Una imagen biomecánica y autorecargada con el tiempo que la precede, procedente de un abastecimiento propio y del sistema a base de sampleados y collages.

Aquí podemos intuir una arquitectura semiorgánica y cambiante, desplazándose a través del tiempo y autocombinándose para construir y destruir. Un movimiento inestable y directo a través de su luz, dónde se persigue lentamente hacia todo lo que muestra dando lugar a la composición del sistema.

Jordi Díez, escultor

Los mecanismos para activar la inspiración no parten de la adquisición, sino de la pérdida. No se trata de ganar algo, sino de desprenderse de algo. El ser humano es un ser inspirado por esencia. Sea cual sea la orientación de su vida, a lo largo de ella experimenta en no pocas ocasiones emociones que pertenecen con pleno derecho a la órbita de las emociones más elevadas de la humanidad, esto es, a la inspiración.

¿Qué es la inspiración? La inspiración es conexión. Una conexión, de hecho, que forma parte de nuestro ser, y nunca lo abandona. La conexión de la que hablo es toda la parte de nosotros que no son emociones, ni pensamientos, ni, por supuesto, el cuerpo. Se encuentra en una zona superior, más sutil. El hecho de percibir la información que proviene de esa parte es lo que llamamos inspiración, y lo que dificulta su tránsito son las complicaciones, por decirlo así, los nudos de densidad de la parte inferior. La persona inspirada contempla este tránsito para, a continuación, hacer descender lo que ve a niveles menos sutiles, con las consiguientes pérdidas de información, hasta llegar al nivel de la consignación, el mental, el que hace posible, como si fuera el artesano a nuestras ordenes, retratar lo que haya llegado hasta aquí.

Los nudos, las complicaciones, actúan como arrecifes que erosionan el casco de un barco que se acerca a tierra, arrancándole trozos, y llegando incluso a hundirlo antes de llegar a su destino. Haciéndole naufragar.

Es la medida de nuestras conquistas sobre nuestros obstáculos lo que determina nuestro nivel de inspiración. Por eso decía al principio que los mecanismos para activar la inspiración no son ganar algo, sino desprenderse de algo, de los obstáculos que nos impiden presenciar el flujo.

El artista lo refleja en la obra. Las demás orientaciones que los seres humanos dan a su vida, lo reflejan en la manera de llevar a cabo sus acciones, estén o no relacionadas con producciones concretas. Por eso el arte no se limita a una disciplina concreta, sino que es una manera de hacer. O mejor aún, una manera de ser.

Video

Gerard Mas, escultor

Gerad Mas, nació en 1.976 en Sant Feliu de Guíxols (Girona).

Estudia en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos "Llotja" de Barcelona.

Se especializa en escultura y talla de piedra. 1998.2001.

Se Diploma como conservador y restaurador de escultura en la "Escola Superior de Conservació i Restauració de Béns Culturals de Catalunya" Barcelona 1994-1998.

Marc Puvill, director de cine

Guionista y cineasta, escribe y realiza cortometrajes de escaso presupuesto, sin otro objetivo que el de satisfacer un instinto irracional, presente desde la infancia, que le impulsa a contar cosas mediante imágenes en movimiento. En varias ocasiones ha cultivado también el género de la publicidad, el vídeoclip y el reportaje periodístico. Más como narrador que cualquier otra cosa, colaborará en el proyecto de transmisión del proceso creativo como una vía más de difusión, un enlace entre los artistas y los receptores.

Video

The Cannibal (2007)

Cortometraje rodado en 16mm como proyecto de la New York Film Academy.

Seleccionado para el Premi Brigadoon en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya, Sitges 2008.

Muuu (2010)

Cortometraje en vídeo. Gran Premio Ciutat de Vic en el Festival Julius 2011.

Clergyman (2011)

Cortometraje en vídeo. Premio a la mejor interpretación para Mia Puig en el Festival Julius 2012.

David Casals, pintor

La panacea

Quizás lo más difícil para el artista es intentar poner orden para, a posteriori, entender qué hace y para qué. Pero con el tiempo uno llega a la conclusión de que estas preguntas mejor no hacérselas. La importancia no reside precisamente en el resultado, en lo que se ve, en lo que perdura, sino en todo lo anterior, en el proceso que nos ha llevado a tal fin. Y es éste el que da sentido a la existencia del artista y es buena la obra que dé lectura de él. Querer comprender este camino y, además, transmitirlo, es ardua tarea, quizás imposible. La perseverancia en la búsqueda del qué, normalmente te lleva al fracaso, no encuentro el método para llegar a él. Me doy ahora cuenta de que me enquisto en buscar el gran tema, el gran motivo, en el que valga la pena emplear largas jornadas de pincel con el fin de obtener un resultado sorprendente. Saber cuándo y cómo te llegará esta idea sería la panacea para la creación artística. Pasas meses, incluso años, no sin trabajar, pero deambulando de un lado para otro. Jornadas enteras, semanas enteras, en que estás esperando aquel instante lúcido en que todo se clarifica y empieza el camino de una nueva pieza. Tiempo que dedicas a obras que quizás no llegarán donde tú pretendes. Intentos fallidos que con el tiempo llegas a comprender y a cogerles cariño. Pretender llegar a ser lo que no eres, ni podrás ser nunca.

Depurar esto te lleva a comprender que todo es más cercano, que la respuesta no está allí fuera, sino dentro de ti. Te aferras en buscar paisajes lejanos e insólitos, sin darte cuenta de la fuerza de algo tan cercano como la pared de piedra del taller. Es en este punto cuando comprendes que tal panacea no tiene que existir, por qué quizás la magia está en no saber de este instante, en estar esperándolo, en querer engullirlo en cada bocanada de aire. Y es este vilo el que te mantiene y da sentido a todo el proceso de creación.

Y llegará la inspiración que pondrá a funcionar toda la maquinaria. Te tendrás que pelear con el motivo para darle resultado, y tus habilidades te salvaran del triste fracaso. Encima, cuando lo hayas conseguido, comprenderás que volviste a quedar lejos. Necesitas volver a empezar.

David Casals, junio 2012.

Lalo García, director de cine

Soy creador audiovisual desde antes de los comienzos de mi carrera profesional.

Comencé con la fotografía, disciplina que sigo practicando en un ámbito más personal que público. Mi experiencia en el campo audiovisual ha ido recorriendo diferentes áreas. He dirigido un largometraje de ficción (siete pasos y medio) premiado en el Festival de Cine de Málaga con dos Biznagas. He tocado el género documental para televisión (ej: creadores de hoy), o documentales personales (ej: bo?, mar de fondo). He realizado publicidad con diferentes tipos de difusión: televisiva, mercadotécnica, interna, etc...

También he creado tiras audiovisuales para su visionado en internet

(ej: no credit) Y otras cosas más.

Los procesos de creación y su comunicación

Es particular el proceso de creación en el audiovisual, por las heterogéneas herramientas usadas, que permite el comienzo de cualquier obra desde muy variados puntos de partida. De todas maneras, aunque académicamente está muy estructurado el recorrido necesario para la creación, la realidad siempre faculta la mutación de ese academicismo. En esta disciplina, no sólo es importante el hecho del análisis de la creación audiovisual en sí misma, sino la capacidad que posee de transmitir el proceso de creación en diferentes áreas, fundamentalmente artísticas, de la actividad humana. El proceso de creación se desarrolla en múltiples actividades del ser humano y, sin embargo, el hecho en sí es algo poco transmitido, a diferencia de otras actividades del hombre. En general, nos enseñan el porqué de las cosas en el ámbito social, pero es poco habitual esa comunicación sobre el trabajo personal, y aunque existen ese tipo de estudios y miradas, los utilizan principalmente los conocedores de las distintas disciplinas. Como en todos los ámbitos de transmisión educativa, el análisis de las experiencias de los creadores, nos lleva a analizar y descubrir sus busilis para poder entender más la necesidad, el momento, la situación, la duda, etc... del proceso de creación.

Partiendo de estos puntos, es una experiencia prometedora y enriquecedora la comunicación de los procesos creativos de diferentes artistas, que se enfrentan a ellos cada día como forma de vida.

Guillermo Oyagüez, pintor

"Escribir un texto para explicar mi pintura, me resulta igual de complicado que contar como soy yo, pasan los años y me recuerdo pensando que la edad me daría respuestas a muchas preguntas, pero compruebo que no es así, simplemente me dejo llevar y no me pregunto ya nada, me gusta viajar y pintar, ¿viajar es una motivación para pintar, o lo es pintar para viajar ? hace años escribí "no sé por qué pinto lo que pinto, ni qué digo con lo que pinto, tan siquiera si quiero decir algo con lo que pinto, quizá si lo supiera no lo pintaría, por eso cuando me lo pregunto, no me lo contesto, y así sigo, sin saber por qué pinto lo que pinto, sin saber por qué pinto, pero pinto". Sigo igual.

Entiendo cuando hablo del proceso creativo con otros artistas lo que me quieren decir, lo veo muy cercano a mí, pero al mismo tiempo distante, quizá esto que nos acerca y nos distancia es una búsqueda de lo mismo, pero con una manera distinta de llegar a ello. En mi caso no hay una preocupación previa antes de pintar, no trato de razonar por qué haré una cosa y no otra, me paro ante algo que me motive sin preguntarme más, ¿ me motiva?, me paro, lo capto y me lo llevo a casa en forma de apunte, cuadro o en su defecto foto. Digo en su defecto sí, considero que pintar de foto es copiar una imágen ya estática, sin vida ni sensaciones, sin embargo cuando trabajo al natural, cada pincelada dibuja un diario, en el que nada más ver el cuadro recordaré ese día, qué temperatura hacía, si corría el aire, si había mucho ruido de la calle o silencio, que personas se acercaron a curiosear, y qué preocupaciones asaltaban mi cabeza, si tenía tristeza o alegría, júbilo o desánimo, todo, todo esto estoy convencido se impregna en el cuadro de manera no premeditada. Entre los miedos que tengo cuando pinto es caer en la obviedad y en el recurso fácil, colores vivos expresan alegría, colores grises y neutros serenidad, trazos quebrados fuerza, curvos armonía...

De lo que llevo escrito quizá se podría deducir que mi proceso creativo comienza con una huida de explicaciones y con una elección no argumentada del tema que voy a pintar. Hace poco, paseando por el Sur de Portugal, en la playa de Beliche, Sagres, y ante la contemplación de ese acantilado y playa virgen, me imaginé como sería en los tiempos en lo que no existía la fotografía, y para alguien que no supiera pintar o dibujar, contemplar tanta belleza y no poder de alguna manera llevársela. Sólo en su recuerdo persistiría ese paisaje infinito, ponerme en esa situación me pareció de una tristeza preciosa, el recuerdo, una imagen guardada en el cerebro. Y al pensar sobre esto, creo que di una respuesta a por qué cuando pinto, hago la primera mancha del natural o de foto ( según el caso) y no vuelvo más a ni uno ni al otro en las sucesivas sesiones de trabajo, para que sea mi recuerdo quien termine el cuadro.

Es ese recuerdo el que dará un toque personal al cuadro, ante la observación de algo, todos veremos los mismo, pero no todos sentiremos lo mismo al mirarlo, ni tendremos la misma imagen al recordarlo.

Siempre me ha sorprendido los artistas que pegan un cambio radical en su obra, no tanto por esa transformación, sino por el tiempo que tarda en producirse, si ese tiempo es corto, su trabajo mentía antes o ahora. Es una opinión que me ha granjeado alguna disputa, pero que defiendo con firmeza, personalidad y obra van estrechamente ligados, y si es una tarea tan ardua cambiar un comportamiento, debiera de serlo una manera de hacer en tu obra. Quizá por lo que voy explicando, esa huida de querer razonar y explicar lo que para mí es el arte, haga que mi trabajo parezca

quedarse en algo simplemente estético, un gusto sin más por el tema elegido o por el hecho de pintar. Hay algo más, lo sé y lo percibo cuando pinto, de lo contrario no sufriría tantos cambios el cuadro, tantos borrones y marchas atrás, cabreos y disgustos. 

Ocurren más "cosas" cuando pinto, pero no es premeditado, lo que pinto lo pintamos yo y mis circunstancias y vivencias, y al final lo que queda es un resultado, que no tiene por qué transmitir menos que la obra de aquel que desde el inicio se plantea cada paso que da. La obra ahí queda, ante el espectador, explicar las obras es interferir en la experiencia que ella le produce."

Raquel Caerols & el Proceso Creativo

Hola a todos:

en primer lugar, expresaros mi entusiasmoooo por la propuesta, porque surga de los artistas que estáis en plena tarea, esta inquietud, y agradecer a Guillermo, el ponerme en el cruce de caminos de este proyecto, mil gracias. Encantada también de conocerte, Jordi y gracias por darme a conocer el proyecto, que he leído atentamente. Dicho esto, paso a contaros mi película.

Soy Raquel Caerols, profesora de Nuevas Tecnologías en Bellas Artes en la Universidad Antonio de Nebrija. Eso en la actualidad, pero para que os situéis...Allá por mi temprana adolescencia, no sé por qué extraña razón me dio por coger los pinceles, sucumbí a la fascinación que me producía el trabajo con el color, y esa necesidad que me parecía primordial fue perdiendo terreno conforme me fui metiendo en el doctorado, en la investigación, en las lecturas sobre arte y el por qué de los procesos creativos (pienso ahora que la adolescencia se me alargó es exceso, porque esto fue avanzados los veintitantos, jeje).

La docencia y la investigación es ahora mi tarea primordial, no sé si algún día volveré a coger los pinceles o me centraré en el trabajo con el video como forma de expresión artística, pero el trabajo investigador para mí es un juego con el pensamiento, es jugar con las ideas como jugaba con el color. La defensa de mi tesis fue así, la primera media hora fui todo lo académica que tocaba y los últimos minutos me dediqué a lanzar conceptos e ideas de las que no tenía toda la certeza, monté un buen pisto entre los miembros del tribunal, pero esa era la idea, había que jugar un poco, y había dos posibilidades, que me echaran a las cavernas u obtener la máxima calificación (fue la segunda, jeje).

Y ese juego es en el que estoy, porque si no juego, no me lo paso bien, y si no me lo pasara bien, me retiraría. Mi doctorado se centró en el estudio de la creatividad, en saber qué es esto de la creatividad, y en líneas generales, ya sabemos que la creatividad es algo consultancial al ser humano, es decir, que no es una cuestión reservada a unos pocos, ni todo artista es creativo, ni todo artista es genial, loco, etc. y demás mitos asociados al artista. Básicamente, la creatividad es, en principio, una cuestión mundana y de superviviencia. En las últimas declaraciones que hizo Arsuaga, el director de las excavaciones de Atapuerca, explicando la evolución del hombre, afirmó que el Homo sapiens sapiens sobrevivió frente a los neardentales porque aquél tuvo la capacidad de construir mundos, por su capacidad creativa y simbólica. Vualá, somos humanos, pues, cuestión que me tranquiliza, y dedicar el día a día específicamente a esto, quizás nos haga más...

Dice Antonio Gala en la introducción de su libro de poemas:

No tengo yo una idea muy original de la poesía. Me parece que equivale a la poyesis platónica, en la idea de construcción o de creación. Es como un líquido que toma la forma del recipiente en que se vierte. Hay poesía de pintura, de literatura, de música, de escultura, de arquitectura… Habrá incluso una actitud poética que no se materialice en nada sino en un procurar estarse ante las cosas con una posición de aprendizaje, de pregunta, de perplejidad: algo que no es más que una vía de conocimiento.

Y así entiendo yo la creación, como una vía de conocimiento, de crear formas, modos y modelos de pensamiento. Y ahí creo que es fundamental que los artistas trasmitáis, comuniquéis vuestros procesos creativos. Estos son metodologías que se traducen en modelos de instrospección, de conocer el mundo, cuestión que se puede extrapolar o simplemente quedarse como una vía de autoconocimiento para el propio artista. Porque el arte, como la vida, debe ser una acto consciente, y ahí está la dificultad, el máximo grado de dificultad para todos.

Picasso decía esa famosa frase de "No busco, encuentro", pero Picasso tenía una mano, un ojo y una mente tremendamente entrenado, y en ese acto consciente de creación podía abandonarse al azar. La película "Los misterios de Picasso" es un verdadero escpetáculo de ese hecho, de su proceso creativo. ºEl cubismo puede entenderse no como estilo, si no como método, como modelo de conocer el mundo, y cada proceso que siga el artista es un modo de autoconocerse y modelo de y para conocer el mundo, y ese es el gran legado que nos podéis dejar los artistas, porque el arte es conocimiento.

En mi tesis me centré en el por qué de los procesos creativos, por qué cambian los modos de crear, por qué se creó la perspectiva lineal como modo de estudio del mundo y la realidad, y por qué ese modelo dejó de ser válido y apareció el cubismo, eso es, son modos diferentes de entender la realidad, modelos de pensamiento. Es ahora, pasadas esas etapas de la historia del pensamiento y la creación, cuando la mirada subjetiva, es decir, la del sujeto, la que nos pertenece, conquistó el mundo en las Vanguardias Históricas, cuando se hace necesario, más que nunca, que el artista se haga estos interrogantes. La etapa del Renacimiento fue la de la mirada objetiva, la de las Vanguardias la de la subjetiva y ahora estamos en ese cruce de caminos entre lo objetivo y subjetivo, es decir, cuando el hombre es plenamente consciente de su subjetividad. Dice también Arsuaga que el hombre, en el proceso de sus etapas evolutivas, es ahora cuando ha alcanzado su edad adulta, sabe de dónde viene y por qué ha llegado aquí. Cuando afirmáis que el azar forma parte del proceso creativo estáis haciendo consciente la circunstacia del azar en vuestro proceso de creación, y es esa medida, puede ser controlable y gestionable y conseguir que el balance entre los días de desasosiego y de pleno disfrute, caigan en su mayor parte en el pleno disfrute. Curiosamente, me produce más vértigo el papel en blanco cuando me pongo con un artículo que el lienzo el blanco, debe ser que el color tiene para mí el poder calmante. Pero creo, sinceramente, que es cuestión de entrenamiento, de hacer músculo y de disfrutar en el camino. La creatividad, como decimos es, en principio un elemento de supervivencia, pero a partir de ahí hay mayores grados de complejidad, y ahí está el trabajo intelectual y el trabajo del artista, que se tiene que enfrentar con ello día a día en su taller, ahí está la dificultad.

Y ahora, por último, paso a contaros mis proyectos al respecto  y por qué me interesa y me hace especial ilusión que hagamos fusión entre el vuestro y el mío. Desde mayo, estoy coordinando un libro con el responsable de investigación de la Nebrija, Juan Arturo Aróstegui, dedicado a la praxis del artista, a sus porcesos creativos y a entenderlos como modelos de investigación y de conocimiento. Nos interesa, pues, un cruce de caminos entre artistas y teóricos, a que se establezca un fructífero diálogo que nos enriquezca a todos. El título del libro es: "La praxis del artista en el proceso creativo como hacer investigador". Es de nuestro interés que el artista nos de cuenta de sus procesos creativos, cómo son y cómo los entiende. Lo planteamos como una convocatoria de artículos para todo aquel que quiera y necesite contarlo y compartilo. La idea es que después se organicen unas jornadas en la universidad para la presentación del libro y se haga una mesa redonda, un espacio de debate y discusión.

Además, en la Semana de la Ciencia (15 de noviembre concretamente) estoy invitada en una mesa redonda junto con José Antonio Marina ha dialogar sobre estos temas. Os recomiendo sus libros. En esta mesa, él hablará sobre la educación del talento, estoy segura de que os interesará. En caulquier caso, cuando se acerque la fecha os lo recordaré.

Y uuuff, lo que me he enrolladoooo. Si alguien ha tenido la paciencia de llegar hasta aquí, mi enhorabuena. Y desde luego, me encantaría que tuviéramos un encuentro y comentar y compartir esto en directo. Espero que os haya interesado lo que os he contado, a pesar de algunas pajillas mentales mías, jejej.

Espero vuestras noticias y que podamos colaborar. Eso sí y, apropiándome de la frase de Guillermo, siempre despacito y con cariño, las cosas así, innevitablemente, salen bien.

Un abrazo!!!

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